Play it again, Sam

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Douglas a le sourire (He comes up smiling) – d’Allan Dwan – 1918

Classé dans : 1895-1919,DWAN Allan,FILMS MUETS — 10 décembre, 2016 @ 8:00

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Les premières images de ce film dont une grande partie a disparu (il ne reste que la première des cinq bobines, soit une dizaine de minutes sur une petite heure) donnent le ton : un Douglas Fairbanks bondissant cherchant à s’échapper d’une cage à oiseaux… C’est dit : ce film, l’une des nombreuses collaborations de la star avec son futur réalisateur de Robin des Bois et Le Masque de Fer, sera complètement fou… mais avec un message quand même.

Car cette cage à canaris dans laquelle se retrouve Doug, c’est le symbole de la petite vie étriquée de son personnage. Le montage nous fait d’ailleurs passer d’un plan de cette cage aux barreaux du guichet de banque où il travaille… et où il est chargé de surveiller le canari de son patron. Un peu lourdingue, la symbolique ? Pas légère en tout cas, mais ça n’a aucune importance : ce n’est qu’un prétexte pour Dwan et Fairbanks, qui n’ont visiblement qu’une envie, s’amuser.

Et quel rythme ! Quelle générosité dans l’action ! Après quelques petites tentatives de gags à l’intérieur de la banque (mais Douglas Fairbanks n’a pas le génie de Chaplin pour transformer son environnement en source de gags), l’oiseau s’envole… et le film avec. Fairbanks part à la poursuite du canari, saute d’un toit à l’autre, se retrouve dans la rue, s’accroche à dix mètres du sol, passe à travers une fenêtre avant de sauter sur un cheval…

Suit une rencontre avec un clochard philosophe, la décision de vivre en communion avec la nature, quelques belles acrobaties au bord de l’eau, une course poursuite avec un essaim d’abeilles… C’est léger, vivifiant et réjouissant, c’est mené à 100 à l’heure… Et ce ne sont que les dix premières minutes ! Hélas, impossible de savoir si tout le film tient ce rythme incroyable…

OSS 117 : Le Caire, nid d’espion – de Michel Hazanavicus – 2006

Classé dans : * Espionnage,2000-2009,HAZANAVICUS Michel — 9 décembre, 2016 @ 8:00

OSS 117 : Le Caire, nid d'espion - de Michel Hazanavicus - 2006 dans * Espionnage OSS%20117%20Le%20Caire%20nid%20despion_zpsqqnylwdp

Le point de départ de cet OSS 117 pourrait ressembler à celui de The Artist, et pas seulement parce que Michel Hazanavicus y dirige déjà Jean Dujardin et Bérénice Béjo : comme il se mettra dans la peau d’un réalisateur du muet, le cinéaste se glisse ici dans celle d’un réalisateur de films d’aventures des années 50/60. 60 plutôt même, l’époque où le cinéma français surfe (à sa manière) sur le succès de James Bond.

La grande différence est que ici, Hazanavicus ne se contente pas de faire un film comme il l’aurait fait plusieurs décennies plus tôt : il se positionne quelque part entre le pastiche et la parodie, citant de nombreux films de l’époque (des OSS 117 d’Hunnebelle à Quand les aigles attaquent avec Eastwood), avec un humour décalé bien d’aujourd’hui, qui évite constamment le gros rire et se situe toujours juste à côté de là où on l’attend…

Mais au confort du pur gag, Hazanavicus préfère un décalage plus audacieux, et plus déstabilisant. Alors on rit de bon cœur devant les airs ahuris de Jean Dujardin, et quelques répliques déjà cultes (« j’aime me beurrer la biscotte »). La formule séduit, même si la mécanique, pour le coup, tourne un peu en rond au bout d’une heure.

Mais Hazanavicus se permet toutes les folies, avec une liberté totale : une scène clé de l’intrigue qui se transforme en un morceau de comédie musicale (« Bambino »), un duel de pensées pseudo-philosophiques venus de nulle part (devant l’air totalement crétin de François Damiens, à mourir de rire), un duel à coups de poulets vivants, ou les running gags autour d’une série d’intermèdes autour d’un espion insupportable qui épie et commente le moindre fait et geste du Français, ou de celui qui n’arrive pas à retenir le mot de passe…

Mais si le film est aussi enthousiasmant, c’est aussi parce qu’Hazanavicus a trouvé avec Dujardin son interprète idéal. Un véritable personnage de dessin animé, capable de passer des postures héroïque à la James Bond, à une tête d’abruti fini. Il faut voir ses regards concupiscents devant une femme en tenue légère, ou son sourire de gamin lorsqu’il joue avec la lumière qui réveille les poulets.

Le plus drôle, c’est la suffisance de Hubert Bonnisseur de la Bath, agent secret propulsé spécialiste du monde arabe (« Allez voir l’Imam. – Lee qui ? »), sa formidable inculture (ah, cette scène où il gueule après le muezzin qui le réveille !), et l’arrogance du représentant de la grande France coloniale (« C’est René Coty, il sera ton ami »). La scène où, bien aidé par la Chicha qu’il a fumée, il s’autorise quelques confidences bien personnelles sur cette culture et cette religion « pas très sérieuse » et « sans avenir » est un sommet de dérision. Qu’il conclue avec un magnifique « Il s’agirait de grandir… »

L’Ensorceleuse (The Shining Hour) – de Frank Borzage – 1938

Classé dans : 1930-1939,BORZAGE Frank — 8 décembre, 2016 @ 8:00

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Une jeune femme, chanteuse de cabaret, entre dans le grand monde en épousant un riche héritier. Elle est accueillie très diversement par sa belle-famille…

D’une histoire dont on peut craindre une accumulation de clichés, Borzage signe un très beau mélo, et réussit à être constamment étonnant en évite justement absolument tous les clichés.

C’est toute l’élégance de Borzage que l’on retrouve ici, réalisateur de quelques-uns des plus beaux films muets (Seventh Hour, quand même), qui même sur un mode relativement mineur comme ce Shining Hour (rien à voir, malgré la ressemblance des deux titres), semble réinventer le genre ultrabalisé du mélodrame.

Il y a le rythme absolument parfait, et le charme de chaque instant que crée Borzage. Mais il y a surtout une manière de filmer des personnages exceptionnellement bien dessinés, du personnage principal au plus petit second rôles.

Joan Crawford, magnifique en jeune femme qui découvre la cruauté du grand monde, et qui se heurte à ses propres sentiments. Melvyn Douglas, impeccable dans un rôle a priori plus effacé, celui du mari aimant et compréhensif. Robert Young, particulièrement bien en petit frère bien marié qui croit découvrir le vrai amour, lui qui peut parfois être un peu terne. Ou encore Margaret Sullavan, touchante et bouleversante en épouse trop amoureuse et trop consciente.

Et surtout Fay Bainter, dans le rôle pas facile et peu aimable de Hannah, la grande sœur, la ville fille aigrie et acerbe, dont chaque mot, chaque geste, est un concentré de cruauté. Un personnage qui semble classique, mais qui révèle peu à peu une complexité, des fêlures internes, absolument passionnantes. Et l’actrice, que je connaissais pas, est exceptionnelle. Son regard dur et sa manière d’être seule au milieu de couples en crise, donnent le ton de ce très beau film.

Le Désordre et la nuit – de Gilles Grangier – 1958

Classé dans : * Polars/noirs France,1950-1959,GABIN Jean,GRANGIER Gilles — 7 décembre, 2016 @ 8:00

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Grangier réussit avec Le Désordre et la Nuit ce qu’il échouera à faire dans Maigret voit rouge : réaliser un polar jazzy, sorte de synthèse entre le polar à la française et le film noir, entre les ambiances envoûtantes du film de genre et un cinéma vérité en avance sur la Nouvelle Vague.

L’omniprésence de la musique dans ce Paris de la nuit donne un ton radicalement différent au genre, avec ces longs numéros de cabaret et ces gros plans fiévreux sur les musiciens, les danseurs ou les chanteuses (noirs). Loin de l’image de « cinéma de papa » que la Nouvelle Vague, justement, a injustement accolée à Grangier comme à quelques autres (qui gravitaient le plus souvent autour de Gabin), ce film permet en tout cas de tempérer ce jugement, un peu trop définitif et en tout état de cause franchement injuste.

Gabin, lui, est impeccable. Avec un bémol, quand même : le « personnage » Gabin est tellement fort, que la posture qu’il trimballe alors de film en film dépasse les talents immenses de l’acteur. Aussi parfait soit-il, on a quand même du mal à l’imaginer en flic alcoolo, craspouille et bordeline comme il nous est présenté. Le voir est un pur bonheur. Mais le film aurait sans doute été très différent avec un autre acteur, à l’image plus malléable que le « monstre Gabin ».

Avec En cas de malheur et Voici le temps des assassins, le film pourrait en tout cas conclure ce qui ressemble à un formidable triptyque, autour d’un même thème : Gabin l’homme mûr tombant amoureux d’une jeune femme trop jeune et trop femme. Trois films forts, aux tons et aux conclusions très différents, et où Gabin trouve finalement des rôles assez différents.

Il y a aussi le plaisir de retrouver Danielle Darrieux, l’une des rares actrice dont on peut se demander si le personnage est le symbole même de l’élégance, ou la plus grande des salopes…

Le film est aussi aussi par les excellents dialogues de Michel Audiard, du petit lait dans la bouche de Gabin : « Et après, qu’est-ce que ça fait un flic ? – ça téléphone, et ça rentre. »

Desert Gold (id.) – de James P. Hogan – 1936

Classé dans : 1930-1939,HOGAN James P.,WESTERNS — 6 décembre, 2016 @ 8:00

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A quelques exceptions près (Une aventure de Buffalo Bill de Cecil B. De Mille), on ne peut pas dire que 1936 soit une grande année de western. D’ailleurs, le genre vit une sorte de purgatoire depuis La Piste des Géants, dont il ne sortira vraiment qu’avec La Chevauchée fantastique, en 1939. Entre-temps, des dizaines, voire des centaines de bandes tournées pour la plupart à la va-vite, sans argent ni grand talent, et pas plus d’ambitions.

Dans cette logique pas glorieuse, Desert Gold ferait presque figure de chef d’œuvre. Soyons clair : c’est mal fichu, mal écrit (d’après un roman de l’incontournable Zane Grey), la plupart du temps mal filmé, en tout cas mal monté, mal mis en musique. Et en prime, la distribution, plutôt alléchante sur le papier (une vedette de serial, Buster Crabbe ; une vedette du muet sur le retour, Monte Blue ; et une vedette en devenir, Robert Cummings), livre des prestations discutables.

Pourtant, on ne s’ennuie pas totalement devant ce petit western mal fagoté. Deux raisons à ça… La première, la plus valable peut-être : c’est court, à peine plus de 55 minutes, et c’est vrai qu’il ne faudrait pas beaucoup plus. La seconde : dans la dernière partie, James P. Hogan utilise plutôt habilement les rochers de ses décors extérieurs, pour quelques sympathiques scènes d’action où le réalisateur fait preuve d’un peu plus d’ambition.

Reste qu’on ne peut pas complètement se passionner pour les aventures de cet ingénieur des mines (Tom Keene, aussi souriant que dans La Naissance d’un empire), flanqué d’un stagiaire maladroit (Cummings, qui en fait des tonnes en caution comique lourdingue), qui prend fait et cause pour le chef indien (Crabbe, qui lui ne fait rien du tout) contre son propre patron aux méthodes sanguinaires (Blue, sobre et pas très inquiétant). Tout petit western…

* Le film fait partie de la dernière moisson en date de la collection Westerns de Légende, chez Sidonis/Calysta.

Le Droit d’aimer (The Simple Standard) – de John S. Robertson – 1929

Classé dans : 1920-1929,FILMS MUETS,ROBERTSON John S. — 5 décembre, 2016 @ 8:00

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Très joli, ce mélo muet qui emprunte des sentiers très balisés, mais qui possède un charme de chaque instant. La présence de Greta Garbo y est pour quelque chose. La star, d’un naturel aussi confondant que son charme insondable, réussit à rendre profondément attachante un personnage d’enfant gâté dont la vie d’enfant gâté l’étouffe, et qui rêve d’une toute autre vie… d’enfant gâté.

Oui, parce que la belle rebelle Arden (c’est son nom) ne fréquente pas n’importe quels hommes pour sortir de sa condition. Ses scandales, elle les crée auprès du chauffeur de la famille certes, mais ce chauffeur est le fils déclassé d’un Lord. Puis auprès d’un aventurier qui l’embarque dans un tour du monde à la voile en solitaire… Hmmm. Un richissime oisif, oui, qui embarque dans un voilier grand comme ma maison, avec une bonne dizaine d’hommes d’équipages. Côté rébellion, on a vu plus audacieux.

En choisissant la voie de la simplicité, le film de Robertson évite celle du gros mélo qui tâche. Et se contente d’être le beau portrait d’une femme qui rêve de liberté et d’égalité entre les sexes, et qui réalise peu à peu que la vie est plus complexe que ses désirs de jeunesse. Ni féministe, ni misogyne, le film n’épargne personne : ni les hommes, jouisseurs et égoïstes, ni les femmes, hypocrites et cancanières.

Mais il n’est pas totalement cynique non plus : les trois personnages principaux de ce triangle amoureux sont tous positifs et sympathiques. C’est ce qui est vraiment réussi dans cette histoire finalement assez classique : le film trouve sa place quelque part entre la noirceur abyssale et l’optimisme béât.

Le fil rouge, c’est l’évolution de Greta Garbo. Et à travers lui, mine de rien, le film met à mal le grand romantisme hollywoodien, et sa vision idéaliste qui, visiblement, conduit au drame : c’est ce qui se passe dans cet hallucinant suicide à la voiture dans la première partie. A la fin du film, un autre suicide se profile, tout aussi étonnant. Mais Garbo a évolué. Elle est devenue mère (à propos, ce gamin et son sourire… aux antipodes des mioches têtes à claque que l’on voit trop souvent !), a mûri, s’est assagie…

On peut voir ça comme une ode très américaine à la famille, ou comme un mélo tendre et adulte… The Single Standard est en tout cas une belle réussite. Un film simplement beau, et émouvant.

Un cottage dans le Dartmoore (A Cottage on Dartmoore) – d’Anthony Asquith – 1929

Classé dans : 1920-1929,ASQUITH Anthony,FILMS MUETS — 4 décembre, 2016 @ 8:00

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Fils du Prime Minister Herbert Henri Asquith, Anthony Asquith fut aussi l’un des réalisateurs les plus importants du cinéma anglais de l’entre-deux-guerre (et même au-delà). On lui doit notamment Pygmalion et The Browning Version, qui seront tous deux remakés. On lui doit aussi ce très beau Cottage on Dartmoore, chant du cygne de l’ère muette britannique : cette même année, Hitchcock tourne Chantage, le premier film parlant de la production nationale.

C’est donc une époque charnière. Et ce n’est pas anodin si l’une des scènes clés du film se déroule dans un cinéma projetant un talkie. Ce (beau) clin d’œil n’a rien d’une critique ironique, comme Chaplin pourra en faire dans Les Temps modernes ou même Les Lumières de la Ville : Asquith filme des spectateurs captivés par le film qu’ils regardent, et dont nous ne voyons rien, sinon les différentes émotions qui se lisent sur les visages. Une belle manière de saluer l’arrivée d’un art nouveau… Et paradoxalement, cette longue séquence est aussi le triomphe du cinéma muet et de son langage en voie de disparition, puisque tout est dit par l’image, et par la seule force de celle-ci.

Ce beau mélo mâtiné de suspense est bien représentatif de cette fin des années 20 durant lesquelles le muet est à son apogée. Et Asquith a un sens aiguisé de l’image et du récit. Dès la première scène, avec ses magnifiques clairs-obscurs (une séquence d’évasion, dans les beaux paysages de lande du Devon que le cinéaste met superbement en valeur), Asquith impose un univers visuel absolument splendide.

La construction est également séduisante, avec ce très long flash-back qui revient sur l’histoire de cet évadé et de la jeune femme chez qui il se réfugie. Mais pourquoi s’y rend-il ? Par amour ? Par soif de vengeance ?… Le film joue sur les deux tableaux, avec un bonheur total : Asquith passe de la romance au film noir avec une belle aisance. Et il nous offre un superbe condensé du plaisir cinématographique : on se retrouve le sourire aux lèvres lors de cette jolie soirée dans la pension familiale ; puis haletant lors de la traumatisante scène du rasoir… Comme les spectateur des talkies : la technique s’apprête à changer, mais le cinéma restera le cinéma.

Police fédérale Los Angeles (To live and die in L.A.) – de William Friedkin – 1985

Classé dans : * Thrillers US (1980-…),1980-1989,FRIEDKIN William — 3 décembre, 2016 @ 8:00

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Il y a eu un avant Gil Grissom pour William Petersen : dans les années 80, le charismatique acteur des Experts a été le héros de deux polars qui ont fait très forte impression, le génial Sixième Sens de Michael Mann, et ce Police Fédérale Los Angeles de William Friedkin, qui a fait l’objet d’un petit culte, et dont j’avais gardé un souvenir fort.

Il y a effectivement de belles choses dans ce polar très sombre, qui plonge au cœur d’un trafic de faux billets et de sa violence extrême : une belle noirceur, une vraie ambition de la part de Friedkin de créer une atmosphère, un rythme lancinant ponctué par des éclats de violence extrême… Bref, tout ce qui fera la réussite du film de Michael Mann l’année suivante.

Le personnage de Petersen, flic obstiné et borderline, est intéressant. Les effusions de sang sont percutantes et efficaces. L’incontournable scène de poursuite en voiture est étonnante, parenthèse haletante dans un récit qui sait par ailleurs prendre son temps. Et cette histoire de flics (l’un plus innocent que l’autre) qui tentent d’infiltrer un dangereux gang est assez passionnante.

Mais tout ça ne vous rappelle rien ? Pendant une grande partie, on a cette impression, gênante, que Friedkin, qui enchaîne les échecs à cette époque, essaye de renouer avec le succès de French Connection en retrouvant les mêmes recettes. Et par moments, c’est carrément du copié-collé : même construction, même noirceur, même parenthèse stock-car, mêmes personnages… jusqu’au coup de feu « choc » qui change la donne dans la dernière partie.

Ajoutez à ça un début au suspense téléphoné (le partenaire de William Petersen qui s’apprête à partir en retraite et qui insiste pour boucler seul sa dernière enquête… eh bien oui, il va se faire dessouder), et une musique agressive qui rappelle à elle seule les pires excès des 80s… Alors oui, il y a de belles choses dans ce polar qui se voit avec un certain plaisir. Mais Friedkin nous prend quand même, un peu, pour des idiots.

Le Trésor des Collines rouges (Treasure of Ruby Hills) – de Frank McDonald – 1955

Classé dans : 1950-1959,McDONALD Frank,WESTERNS — 2 décembre, 2016 @ 8:00

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Réalisateur prolifique, Frank McDonald n’a pas signé beaucoup de films franchement mémorables, souvent contraint par des budgets pour le moins étriqués. Ce petit western ne fait pas exception. Même s’il n’est pas dénué d’intérêt, il souffre quand même d’un manque flagrant de moyens, qui pousse le réalisateur à limiter les scènes tournées en décors naturels, et à privilégier les intérieurs.

Pourquoi pas d’ailleurs, sauf que le sujet ne s’y prête pas vraiment, et aurait mérité la mise en valeur de grands espaces que l’on ne fait qu’entrapercevoir (avec, au fond, ce qui ressemble fort à des poteaux électriques ou des antennes…). L’histoire, assez classique, reprend le thème souvent utilisé dans le genre des gros éleveurs qui se disputent la main-mise sur toute une région. Avec une belle idée, quasiment pas exploitée : l’arrivée du « héros » avec l’acte de propriété de la principale source d’eau de la région.

Dans ce rôle, Zachary Scott tranche plutôt radicalement avec les grandes figures westerniennes. Il est clairement un choix de série B, mais son charme étrange, sa dégaine un peu maladroite, et cette assurance qui ne convainc pas vraiment servent plutôt le personnage. Plus en tout cas que le scénario, approximatif et plein de trous, et la mise en scène souvent étrangement statique. C’est notamment le cas lors des rares fusillades, dont on finit par se demander si elles ne sont pas parodiques tant elles manquent d’entrain.

A une exception près quand même : le duel attendu entre Zachary Scott et Lee Van Cleef, qui prend le temps de terminer son verre de whisky avant de dégainer. Il fait bien… Il y a, comme ça, quelques petits moments qui sauvent le film de l’anonymat total, deux personnages féminins plutôt réussis, un vieux patron d’hôtel assez rigolo… Pas de quoi crier au génie, mais suffisant pour y prendre un peu de plaisir.

* DVD dans la collection « Les Grands Classiques du Western » (oui, c’est survendu !) chez Artus Films, avec une présentation érudite et intéressante par Georges Ramaïoli.

A cause d’un assassinat (The Parallax View) – d’Alan J. Pakula – 1974

Classé dans : * Polars US (1960-1979),1970-1979,PAKULA Alan J. — 1 décembre, 2016 @ 8:00

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Il faut prendre le temps de digérer ce thriller paranoïaque qui, immédiatement, ne laisse pas une impression formidable. Visuellement peu séduisant, émaillé de rebondissements énormes qu’on a du mal à prendre au sérieux, il semble faire pâle figure à côté de classiques du genre comme Un crime dans la tête ou Les Trois jours du Condor. On est en tout cas bien dans cette lignée de films post-Dallas, portée par la fameuse théorie du complot.

On se dit qu’il est bien naïf Warren Beatty, journaliste qui enquête sur la mort des différents témoins d’un assassinat politique, plusieurs années auparavant. On se dit aussi que le scénariste a pris bien des raccourcis et qu’il n’hésite jamais à choisir la facilité (cette rencontre impromptu avec le shérif au cœur du complot). Et puis on réalise qu’on l’a été tout autant, emporté par les mêmes mensonges, les mêmes faux-semblants, la même manipulation.

Le film repose certes beaucoup sur la révélation finale. Mais cette révélation, cette ultime image sur « l’illumination » tardive de Beatty, longue séquence oppressante où tous les morceaux du terrible puzzle se retrouvent enfin, le range du côté des grands classiques parano de cette période.

Un classique parfois déroutant, comme lors de cette scène étonnante et interminable, où le personnage de Beatty (et nous avec) regarde un étrange montage photos censé tester les émotions, qui rappelle l’expérience déshumanisante d’Orange Mécanique.

La force, et d’une certaine manière la limite, du film, c’est cette capacité de brouiller les pistes, et de détourner le regard de l’essentiel. Pakula place clairement le spectateur dans la peau de Warren Beatty, lui faisant croire qu’il est plus intelligent que les autres, et qu’il a tout compris de cette mystérieuse société secrète qui recrute des tueurs. Et quand la révélation arrive, il est trop tard.

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