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Archive pour la catégorie 'ALLEN Woody'

Wonder Wheel (id.) – de Woody Allen – 2017

Posté : 8 avril, 2018 @ 8:00 dans 2010-2019, ALLEN Woody | Pas de commentaires »

Wonder Wheel

C’est tout Woody, ça, ce talent pour nous embarquer dans son univers en nous faisant oublier l’impression de déjà-vu, voire même de facilité, qui nous éfleure dans les premières minutes. Le décor (Coney Island), l’époque (les années 50), le narrateur (Woody lui-même autrefois, Justin Timberlake aujourd’hui, mais c’est tout comme), l’éternel chassé-croisé amoureux… Oui, on est en terrain connu. Mais qu’importe, ou plutôt tant mieux d’ailleurs : ce qu’on aime avant tout chez lui, c’est cette petite musique à la fois familière (et confortable, d’une certaine manière) et bousculante.

Et c’est particulièrement vrai avec ce Wonder Wheel, film ambitieux (la reconstitution est belle, les figurants inhabituellement nombreux) et sans doute très personnel. On peut d’ailleurs souligner qu’il a le sens du timing, lui qui nous sort son film qui évoque plus qu’aucun autre sa propre situation amoureuse (rappelons qu’il a épousé la fille adoptive de son ex-compagne, Mia Farrow) alors qu’il se retrouve accusé d’abus sexuels sur sa propre fille adoptive.

Forcément, ce contexte porte une lumière sur ce film. Parce qu’il est question d’un homme qui a une aventure avec une quadragénaire, avant de tomber amoureux de la belle-fille de cette dernière. Mais rien de sulfureux pour autant, les contempteurs de Woody Allen peuvent y aller les yeux fermés.

Ce qui serait d’ailleurs une ânerie, surtout que ce film-ci est, visuellement, l’un des plus beaux de son auteur. La photographie de Vittorio Storaro (directeur de la photo de Bertolucci, mais aussi du Coppola d’Apocalypse Now) est somptueuse, alternance de lumières chaudes et de teintes grises qui épousent parfaitement, parfois à l’intérieur d’une même scène, les états d’âmes des personnages, particulièrement de Kate Winslet.

Et ils sont changeants, ses états d’âmes, elle qui trouve un rôle superbe ici, dans la lignée de la Cate Blanchett de Blue Jasmine. Wonder Wheel est clairement dans cette lignée : le portrait d’une femme hantée par son passé et par ses échecs, et qui se raccroche avec l’énergie du désespoir à son dernier espoir de rédemption, qui prend les allures d’un beau sauveteur et apprenti écrivain (Justin Timberlake, excellent).

Ajoutez à ça un mari beauf et parfois violent mais aussi extraordinairement humain (James Belushi, exceptionnel dans ce qui est sans doute son meilleur rôle), et sa fille faussement ingénue (Juno Temple, parfaite itou), et vous avez le quatuor maudit d’une tragédie déchirante et fascinante, à laquelle la petite musique de Woody, si familière, donne une dimension intime absolument bouleversante.

Quant à Kate Winslet, eh bien elle est tout simplement prodigieuse, femme détruite qui semble gagner ou perdre 10 ans selon la scène, dont le regard oscille constamment entre la détresse et l’attente, avec ce grain de folie que l’on sent prêt à grandir et à tout recouvrir.

Après la légèreté de Café Society, Woody Allen revient à sa veine la plus sombre avec Wonder Wheel. Et ça lui va tout aussi bien.

Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu (You will meet a tall dark stranger) – de Woody Allen – 2010

Posté : 19 janvier, 2018 @ 8:00 dans 2010-2019, ALLEN Woody | Pas de commentaires »

Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu

C’est la marque des grands, ça : on voit ce film en se disant que c’est un Woody Allen « dans la norme », presque banal finalement. Et pourtant, on se laisse entraîner d’emblée par le charme de cette petite chose sans prétention, et c’est tellement supérieur à à peu près tout ce qui se fait par ailleurs. La musique, la voix off, le montage fait de flash-backs et d’allers-retours d’un personnage à l’autre… On est en terrain connu, mais tout ça est formidablement maîtrisé, et donne au film un rythme absolument irrésistible.

Et puis il a beau paraître tout léger, ce Woody Allen-là, le destin de ces deux couples de générations différentes qui se séparent en pensant trouver le bonheur ailleurs est teinté d’une amertume inhabituelle. Avec un vrai pessimisme, aussi : des quatre protagonistes principaux, ce n’est pas celui/celle que l’on attend qui saura trouver un vrai nouveau départ.

Entre tristesse (Naomi Watts, qui se rêve un amour qui n’existe pas), cynisme (Josh Brolin qui se perd dans un terrible mensonge), pathétique (Anthony Hopkins qui fait rire jaune avec sa fiancée achetée pas si bon marché), et frappadingue (Gemma Jones qui prend toutes ses décisions en s’appuyant sur sa diseuse d’avenir), c’est une belle brochette de paumés que filme Woody.

Finalement, derrière la comédie, enlevée et souvent très drôle, c’est un immense gâchis qu’il montre : le chant des sirènes peut être très cruel…

Whatever works (id.) – de Woody Allen – 2009

Posté : 3 mai, 2017 @ 8:00 dans 2000-2009, ALLEN Woody | Pas de commentaires »

Whatever works

Le plus New-Yorkais des cinéastes américains a tourné tous ses films en Europe entre 2004 et 2012, à une exception près : ce Whatever works, qui marque ses retrouvailles avec « sa » ville, et avec un ton qui rappelle ses grands classiques d’hier, ces films dont il tenait immanquablement le premier rôle avec cet éternel personnage d’angoissé insatisfait aux aphorismes irrésistibles.

Les premières minutes de Whatever works sont d’ailleurs un peu déstabilisantes. Parce que ce personnage de génie vieillissant et trop lucide ressemble furieusement à celui qu’il a incarné si souvent. Et que pour une fois, ce n’est pas lui qui est à l’écran, mais Larry David, homme de télévision très célèbre en Amérique, moins chez nous. Généralement, Woody Allen ne filmait des alter-egos que lorsqu’il était touché par la limite d’âge (comme Kenneth Branagh dans Celebrity). Ce n’est pas le cas ici, et l’envie d’entendre Woody débiter lui-même ces répliques sarcastiques est forte…

Et puis Larry David, qui paraissait d’abord singeait Woody, finit par s’imposer. Et son personnage par révéler sa singularité. Oui, il y a des similarités avec le traditionnel personnage allenien. Mais Boris Yellinikoff a sa propre singularité, une manière toute personnelle d’affronter les pires aspects de la vie, de se préparer constamment pour son issue tragique, et grosso-modo de mépriser le monde entier, y compris de jeunes enfants à qui il enseigne les échecs avec un mépris pas même dissimulé… et du coup à mourir de rire.

Boris est un homme volontiers méchant, mais dont le refus de se plier aux conventions sociales finit par éveiller ceux qui l’entourent à eux-mêmes. Et c’est tout le sujet de ce film faussement cynique, et profondément optimiste d’une manière inattendue : la manière dont chacun trouve sa place, la nécessité de tirer un trait sur ce que l’on croit être la vérité pour découvrir sa propre vérité.

Ce qui est beau dans Whatever works, c’est la manière dont Woody Allen amène l’émotion dans des moments de pure comédie où le cynisme semble dominer. Derrière le rictus trop détaché de Larry David, il y a une fêlure, une solitude, et un besoin de l’autre qui ne sont jamais clairement reconnus.

Et derrière ces couples (ou trios) qui se font ou se défont, aussi improbables qu’ils puissent être (un sexagénaire et une jeune femme qui pourrait être sa petite-fille, un catho réac qui découvre son homosexualité, une quinqua coincée qui se lance dans un ménage à trois), Woody fait montre d’une foi en l’être humain et d’un optimisme qu’on ne lui avait plus vus depuis longtemps, avec une propension au bonheur assez inattendue chez lui.

Vicky Cristina Barcelona (id.) – de Woody Allen – 2008

Posté : 7 juillet, 2016 @ 8:00 dans 2000-2009, ALLEN Woody | Pas de commentaires »

Vicky Cristina Barcelona

Woody continue son tour d’Europe avec cette nouvelle carte postale, envoyée cette fois de Catalogne. Point de meurtrier à l’horizon, cette fois : si l’Angleterre poussait le réalisateur au crime, l’Espagne réveille plutôt son âme romantique, teintée de libertinage. Mais la manière de filmer le pays reste, comme pour ceux tournés à Londres ou à Paris, clairement celle d’un Américain.

On a donc droit à une visite en règle de la capitale catalane, avec dialogue au pied de la fameuse Salamandre du parc Gaudi. Caricatural ? Un peu, sans doute, mais cette vision touristique tient aussi à la nature des personnages : deux touristes américaines (riches et artistes, bien sûr) qui viennent passer un été en Espagne. Une sorte de luxueux film de vacances, donc.

C’est, paradoxalement, la force du film : Woody filme une parenthèse. Inoubliable, certes, mais sans grande conséquence pour ces deux jeunes femmes qui repartiront à la fin de l’été et retrouveront leurs vies dans le même état qu’elles les avaient laissées en partant. Elles-mêmes, quand même, auront appris au passage quelques petites choses sur la vie et sur elles. Un été comme tant d’autres, finalement.

Pas plus d’originalité du côté des personnages. Les deux amies américaines sont aussi belles que différentes (la blonde et libre Scarlett Johansson, la brune et plus coincée Rebecca Hall), l’Espagnol qui les fait chavirer est un artiste à la sexualité éclatante (Javier Bardem, animal), et son ancienne femme est une hystérique exubérante (Penelope Cruz). De purs stéréotypes.

Mais alors, d’où vient de charme immense du film ? Des acteurs, justement ; mais aussi des décors trop beaux pour être vrais, de la lumière chaude, de ce sentiment de liberté omniprésent, et surtout de ces petits riens qui dérangent les certitudes de tous ces personnages qui se croisent, s’aiment, s’enrichissent et se bousculent. Vicky Cristina Barcelona est une petite chose sans conséquence ? C’est justement ce qui fait son charme.

Café Society (Cafe Society) – de Woody Allen – 2016

Posté : 5 juillet, 2016 @ 2:55 dans 2010-2019, ALLEN Woody | Pas de commentaires »

Café Society

En deux plans qui se répondent, à la toute fin du film, Woody Allen crée l’une de ces immenses émotions dont il a le secret… Mais comment fait-il, ce magicien, pour continuer à surprendre film après film, en usant depuis des décennies des thèmes et des ficelles que l’on connaît par cœur. Café Society est une sorte de mix de toute le cinéma allenien. C’est aussi une bulle de bonheur aussi réjouissante et aussi légère que Magic in the Moonlight.

Woody renoue avec plusieurs choses. Le film « historique » d’abord : on est dans les années 30, en plein âge d’or d’Hollywood. Et comme dans Coups de feu sur Broadway ou Accords et désaccords, ce voyage dans le temps se fait sur fond de création artistique (le cinéma ici, même s’il n’est qu’une toile de fonds). Et puis, comme il l’a déjà fait à plusieurs reprises, le film est entièrement construit sur une voix off omnisciente qui raconte l’histoire en adoptant des points de vue différents : c’est celle de Woody Allen lui-même, qui, même s’il n’apparaît jamais à l’écran, donne un rythme si particulier au film.

Woody a aussi un don pour créer des couples inattendus. Ici, c’est Jesse Eisenberg et Kristen Stewart, dont toutes les scènes communes sont des petits moments de pur bonheur. Il offre aussi à Steve Carell le très beau rôle du tonton producteur frappé par le démon de midi. Quand on imagine que c’est Bruce Willis qui a commencé le tournage avant de se faire virer, on frémit un peu…

Les clichés ne sont pas toujours très loin. Les choix esthétiques d’abord : une image presque jaune pour Hollywood, plus bleue pour Manhattan. Et puis comme souvent chez Allen, le personnage du frère gangster est proche de la parodie et n’est jamais pris totalement au sérieux. Mais le film est un modèle de construction, un petit bijou léger, drôle et mélancolique à la fois. Du pur plaisir…

Le Rêve de Cassandre (Cassandra’s Dream) – de Woody Allen – 2007

Posté : 14 janvier, 2016 @ 8:00 dans * Thrillers US (1980-…), 2000-2009, ALLEN Woody | Pas de commentaires »

Le Rêve de Cassandre

Après Match Point et Scoop, Woody Allen clôt une sorte de trilogie criminelle anglaise. « Sorte », parce que autant les deux précédents présentaient une vraie parenté, autant celui-ci s’en démarque par un ton inhabituellement sombre pour le cinéaste, qui signe un authentique film noir, sans la légèreté apparente et l’aspect lumineux de la plupart de ses « films criminels ».

Le film permet à Woody d’explorer des rivages jusqu’alors inconnus. Notamment en installant une atmosphère extrêmement dure, avec une lumière et un ciel londoniens qui semblent constamment peser sur les personnages. Mais aussi en quittant la bonne société pour un quartier populaire de Londres, où vivent deux frères avec leurs parents vieillissants, évoquant à longueur de journée la réussite d’un oncle parti faire fortune au bout du monde.

Ces deux frères sont des nouveaux venus dans le cinéma d’Allen : Ewan McGregor et Colin Farrell, que Woody Allen filme le plus souvent côte à côte, partageant l’écran avec une complicité fraternelle absolument formidable. Deux frères qui, un peu par sens de la famille, beaucoup pour s’assurer un meilleur avenir, acceptent de tuer un inconnu…

Des personnages sans histoire qui décident de commettre un crime. Le thème a déjà été et sera encore exploré par le cinéaste. Mais cette fois, aucune ironie, aucun semblant de comédie… Juste le poids du destin, et celui des rêves brisés, pour un film particulièrement intense, où Woody Allen joue avec sadisme avec nos émotions. Quatre moments, en apparence simple, atteignent ainsi des sommets…

Le premier est un simple plan, en apparence banal : un panoramique suivant le premier départ du bateau acheté par les deux frères, et qui submerge le spectateur d’une vague de bien-être, comme si l’avenir était tout tracé.

Le deuxième est tout simple, lui aussi : les parents des frères observant leurs enfants par la fenêtre. Lui d’habitude taiseux annonçant qu’il avait encore rêvé des garçons. Elle soudain attentive à son inquiétude… L’image banale d’un couple dans la pénombre d’une cuisine, tendre et cruellement conscient de l’avenir.

Et puis, après une série de séquences où le crime est constamment repoussé, où le grotesque flirte avec le suspense, deux coups de feu qui claquent dans la nuit, hors champs. Littéralement glaçant. Là, Woody Allen se met au niveau des plus grands spécialistes du noir : durant de longues minutes, il a fait plané le doute, jouant avec la tension et les espoirs de ses personnages et des spectateurs, étirant au maximum cette angoissante attente. Jusqu’à ce dénouement explosif qui semble raisonner de longues minutes.

Enfin, après cette douloureuse descente aux enfers, et alors que le fantôme de Match Point (et du futur L’Homme irrationnel) plane sur le personnage « fort » d’Ewan McGregor, alors que l’engrenage de la violence le pousse aux portes de l’horreur absolue, cette canette soudain brisée. Et les deux frères qui acceptent leur destin dans la rage…

Le Rêve de Cassandre, déjà oublié, est pourtant l’un des grands films de Woody Allen de ces dernières années. Un film destabilisant, certes, dénué du charme léger et de l’ironie de ses précédentes réussites. Mais aussi l’un de ses plus intenses.

Scoop (id.) – de Woody Allen – 2006

Posté : 31 décembre, 2015 @ 3:17 dans 2000-2009, ALLEN Woody, FANTASTIQUE/SF | Pas de commentaires »

Scoop

Londres, l’attrait de la haute société pour un personnage issu des classes populaires, Scarlett Johansson qui tombe amoureuse de la mauvaise personne, des meurtres… Un an après le succès de Match Point, Woody Allen livre une sorte de variation sur le même thème, mais sur le ton de la comédie… et en mode mineur.

Car Woody, qui s’offre ici l’un de ces personnages de magicien un peu minable qu’il affectionne, semble pour une fois à peine croire à ce qu’il fait. Les thèmes ont déjà été abordés cent fois dans son cinéma, ce qui n’a d’ailleurs jamais été un problème, tant il a toujours su creuser ses sillons avec une vision constamment renouvelée. Mais cette fois, Woody ne nous étonne pas.

Même les répliques débitées avec le talent habituel du comédien tombent à plat, et échouent à nous faire rire. Dommage, parce que son film lorgnait clairement du côté de Meurtre mystérieux à Manhattan, et que le « couple » que Woody forme avec Scarlett fonctionne particulièrement bien, de touchants liens filiaux se nouant entre ces deux natures plongées dans un milieu qui n’est pas le leur.

Qu’on ne n’y trompe pas : Scoop est un film réjouissant, qui procure un vrai plaisir. Mais sans cette flamme habituelle chez Woody Allen, et avec cette impression que le cinéaste « tire à la ligne » pour boucler son film annuel. Mais Scarlett Johansson est bien jolie, le plaisir de voir Woody Allen jouer la comédie dans ses propres films est de plus en plus rare, voir Hugh Jackman jouer les bellâtres raffinés nous rappelle qu’il sait faire autre chose que montrer les crocs (et les lames) de Wolverine, et il y a dans Scoop une vision de la mort assez irrésistible.

Pas un Woody majeur, donc, mais un Woody tout de même…

L’Homme irrationnel (Irrational Man) – de Woody Allen – 2015

Posté : 5 novembre, 2015 @ 7:30 dans * Thrillers US (1980-…), 2010-2019, ALLEN Woody | Pas de commentaires »

L'Homme irrationnel

En pleine forme, le Woody Allen. A quelques jours de son 80ème anniversaire, le cinéaste ne lâche rien en terme de rythme de tournage (son “Fall project” arrive chaque année à l’heure), et surtout en terme d’inspiration. Après l’aérien Magic in the Moonlight de la fournée 2014, le revoilà de retour dans la veine hitchcockienne qu’il retrouve régulièrement et qui lui a valu quelques-uns de ses sommets.

On pense bien sûr à Match Point, sorti il y a tout juste dix ans après une période un peu creuse, avec lequel cet Homme irrationnel a quelques traits communs… dus essentiellement à l’influence de l’œuvre de Sir Alfred. Il y a cette fois encore quelque chose du Crime était presque parfait, mais aussi de L’Inconnu du Nord Express, dans cette histoire d’un homme qui décide de commettre un crime parfait en tuant un individu qu’il ne connaît pas…

Mais on est bien chez Woody, et le film ne repose pas sur la mécanique du crime ou sur le suspense (même si la dernière partie nous incite clairement à retenir notre souffle). Car ce néo-meurtrier est une sorte de condensé de tout le cinéma allenien. Prof de philo dépressif, séducteur (malgré lui), vivant dans une société grand-bourgeoise intellectuelle qui prend un plaisir fou à théoriser sur un crime (un autre point commun avec Hitchcock)…

Dans le rôle, Joaquin Phoenix, qui en fait généralement des tonnes, a rarement été aussi sobre. Un comble pour un personnage qui descend une quantité impressionnante de vieux single malt écossais (une manière totalement dégueulasse de traiter le whisky, à propos). Une sorte de version amorphe et au bout du rouleau des personnages chers au cinéaste, dont la première apparition, à moitié ivre et muet dans le bureau de la directrice d’un collège, est irrésistible.

On sourit souvent, et la musique très allenienne donne clairement un air de comédie, que vient confirmer la présence toujours pleine de vie d’Emma Stone, que le cinéaste retrouve pour un deuxième film consécutif (une première pour lui depuis Scarlett Johansson). Mais il y a un décalage étrange et réjouissant entre le ton du film et ce qu’il raconte, plus pathétique encore peut-être que Match Point.

En terrain connu, sur des thèmes et avec des personnages que l’on croit connaître par cœur, Woody Allen réussit une nouvelle fois à nous surprendre. Vivement l’automne prochain…

Match Point (id.) – de Woody Allen – 2005

Posté : 2 juillet, 2015 @ 5:13 dans * Thrillers US (1980-…), 2000-2009, ALLEN Woody | Pas de commentaires »

Match Point

On le croyait associé à jamais à New York. Mais c’est en Europe que Woody Allen a connu une nouvelle jeunesse il y a dix ans, lui qui semblait tourner quelque peu en rond depuis quelques films. A la fin d’un cycle, et au début d’un autre, toujours en cours, où Woody l’acteur s’éclipse pour laisser la place à un univers moins ouvertement comique (encore que l’humour n’est jamais loin, même dans la noirceur la plus profonde), mais franchement corrosif.

Cynique, même. En s’installant à Londres sur les traces d’un certain Hitchcock, en reprenant l’argument du Crime était presque parfait, Woody fait mine de mettre en scène une société presque parfaite, mais dont le vernis cache une violence profonde : celle des conventions qui oblige une jeune femme à devenir mère à tout prix, celle des barrières sociales qui rongent l’âme de ceux qui les ont franchies.

Comme dans le classique d’Hitchcock, le « héros » est un ancien champion de tennis, devenu membre de la haute société après avoir épousé une riche héritière. Et là aussi, la peur de perdre ce nouveau statut peut mener au crime le plus odieux. Avec une différence de taille tout de même : alors que chez Hitchcock le meurtre est introduit (au moins dans la tête de Ray Milland) dès le début, il n’apparaît chez Allen que comme le moyen le plus simple de sortir de l’impasse. Ou de ne pas avoir à choisir.

Dans le rôle de ce monstre ordinaire, Jonathan Rhys-Meyers est excellent. Visage fermé, émotions refoulées, il n’incarne pas le Machiavel des temps modernes, mais un jeune homme pressé de fuir son passé de pauvreté, et bien décidé à provoquer la chance et à la saisir au vol. Et la belle et désirable Scarlett Johansson, qui réveille chez lui des désirs très humains ceux-là, est un incident bien inattendu dans son parcours.

La première partie, qui met en place l’ascension du jeune « héros » et cette passion dangereuse, est bien un peu longuette par moments, comme si Woody Allen voulait différer au maximum le point de rupture que l’on ressent très vite. Ou fixer la possibilité de bonheur simple des deux amants, et la possibilité qu’ils ont de retrouver leur rang social et de fuir des conventions qui les aliénent.

Il y a déjà dans Match Point ce qui fera la richesse et la réussite de Blue Jasmine : la confrontation de deux univers, la fascination pour l’argent, et l’incapacité de tourner le dos au luxe et à cette haute société pourtant si cruelle. Il faut voir la « belle-mère » balayer avec mépris (et un charmant sourire) les rêves d’actrice de Scarlett Johansson.

Quant à la deuxième heure, elle est tout simplement brillante, leçon de mise en scène, élégante et efficace. Un sommet de noirceur dans la filmographie de Woody Allen, où les quelques saillies humoristiques tirent de petits rires crispés, et rendent plus profonds encore les abîmes dans lesquels s’enfonce le héros. Woody a changé, et il est toujours grand.

Melinda et Melinda (Melinda and Melinda) – de Woody Allen – 2005

Posté : 17 avril, 2015 @ 7:19 dans 2000-2009, ALLEN Woody | Pas de commentaires »

Melinda et Melinda

- So are they tears of sorrow or tears of joy ?
– Well, aren’t those the same tears ?

Il y a souvent du tragique dans les comédies de Woody Allen (à moins que ce ne soit l’inverse), et le cinéaste a décidé de faire de ce décalage l’argument de son film. Premières images… On est en terrain connu : un dîner entre amis dans un restaurant plutôt chic, une discussion animée autour de la création artistique, du rapport à la mort et du sens de la vie…

Autour de la table, deux hommes d’âge mur (celui de Woody, qui se contente de rester derrière la caméra, comme s’il était incapable de choisir l’un ou l’autre des personnages) : l’un est un auteur de comédies pour qui l’essence même de la vie est sinistre, et qui y trouve un sens en dénichant le comique de chaque situation ; l’autre est un auteur de tragédies pour qui son art est le contrepoint parfait de la beauté de la vie.

Au cours de la discussion, un embrion de fiction apparaît, dont chacun tire une histoire au ton radicalement différent, que l’on découvre alternativement… L’idée est pour le moins excitante, et le film est en partie plutôt réussi. Seul personnage commun aux deux histoires : Melinda, jeune femme au passé lourd qui trouve refuge chez un couple de New Yorkais. Dans le rôle, Rhada Mitchell est parfaite, aussi à l’aise dans le sombre que dans le léger, pure héroïne allenienne.

Autour d’elle(s), que des acteurs au meilleur de leur forme : Amanda Peet et Will Ferrell versant comédie, Chloé Sevigny et Chiwetel Ejiofor versant drame… Allen est décidément un grand directeur d’acteurs, même si par moment il tire un peu sur la corde des stéréotypes ici, ne parvenant jamais à nous surprendre vraiment.

Woody Allen est-il plus à l’aise dans la comédie ou dans le drame ? La grande limite de ce film est justement de pousser à se poser cette question, en dissociant ouvertement les deux faces de son oeuvre. Une vraie fausse bonne idée, donc. D’autant plus qu’il ne va pas jusqu’au bout de sa logique : le contraste aurait sans doute été plus intéressant si les deux histoires de Melinda avaient suivi le même cheminement. Passé le point de départ, quelques passages se font bien échos, mais rien de plus.

Un peu vain, donc, ce film-concept, qui laisse un petit goût d’inachevé. Pas désagréable pour autant : Woody Allen sait créer une atmosphère familière et faussement confortable dont on ne se lasse pas, même dans ses semi-réussites (ou semi-échecs ?).

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