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Archive pour la catégorie 'par réalisateurs'

Les Damnés de l’océan (The Docks of New York) – de Josef Von Sternberg – 1928

Posté : 21 mai, 2019 @ 8:00 dans 1920-1929, FILMS MUETS, VON STERNBERG Josef | Pas de commentaires »

Les Damnés de l'océan

La suie et la sueur dans l’antre d’un paquebot, l’alcool bon marché et les femmes faciles des bas-fonds… Josef Von Sternberg apporte une vérité stupéfiante à cette chronique d’un amour naissant, à laquelle il refuse à peu près tout semblant de romantisme.

C’est le Sternberg première génération : celui de l’avant-Marlene, sa période muette, pas la moins intéressante, comme le confirme ce film d’une puissance visuelle rare. Chaque image semble comme volée à cet environnement hostile, comme s’il emmenait réellement le spectateur (et les personnages) dans ce troquet puant et peu aimable, dans cette chambre sans charme et sans chaleur, ou dans cette soute à la chaleur infernale.

Drôle de couple aussi : George Bancroft en gros bras viril qui se surprend à s’attacher à cette jeune femme qu’il a sauvée de la noyade, et qu’il épouse presque par bravade. Et Betty Compson, prostituée dépressive, tellement reconnaissante du sort que lui réserve ce type mal dégrossi.

Entre eux, dans ce décor fascinant mais hostile (le personnage du bar, par exemple, aurait sans doute été bienveillant devant la caméra de n’importe quel autre réalisateur), Sternberg filme la naissance de la tendresse. Ce n’est pas de la passion, peut-être même pas de l’amour, mais cette tendresse, dans ce décor-là, a quelque chose d’une pureté bouleversante.

La Tête d’un homme – de Julien Duvivier – 1933

Posté : 20 mai, 2019 @ 8:00 dans * Polars/noirs France, 1930-1939, DUVIVIER Julien, Maigret | Pas de commentaires »

La Tête d'un homme

« Et la nuit m’envahit… Tout est brumeux, tout est gris… » C’est Julien Duvivier lui-même qui a écrit les paroles de cette complainte envoûtante, que chante Damia, et qui scande cette adaptation d’un Maigret, créant d’emblée une atmosphère digne de celle de Simenon.

Ce n’est pas la moindre qualité de cette adaptation merveilleuse, qui surclasse encore les deux premiers Maigret au cinéma, sortis l’année précédente (La Nuit du carrefour et Le Chien jaune). Chez Duvivier, comme chez Simenon, l’intrigue elle-même est un prétexte pour saisir la réalité de personnages hantés par leurs démons. Pas de faux suspense d’ailleurs ici : Duvivier l’évacue rapidement en exposant tous les éléments de l’intrigue, ou presque, dès la première séquence.

Film d’atmosphère, film de personnages, La Tête d’un homme bénéficie de la présence d’Harry Baur, qui livre une superbe incarnation de Maigret, personnage décidément bien servi au cinéma. C’est aussi l’œuvre d’un grand cinéaste qui signe un pur film de mise en scène. De la scène du « cambriolage » à la séquence finale où la folie du personnage d’Inkijinoff éclate, le film regorge d’images d’une grande force visuelle.

Une scène, qui semble plus anodine, souligne bien l’ambition esthétique de Duvivier : celle du policier filmé en plan fixe sur un changeant, ses interlocuteurs et les décor en fond se succédant. Procédé rarement utilisé, qui donne une grande fluidité à ce passage qui aurait si facilement pu être conventionnel.

La Tête d’un homme, c’est aussi un grand film sur la violence de la société, violence physique et morale, avec des visions crues de la prostitution, du sexe et de la folie des hommes. De la solitude aussi, omniprésente. Celle de Radek bien sûr (Inkijinoff), mais aussi celle de ce couple sans amour, et celle du faux coupable, méchant tout désigné avec ses mains immenses, rejeté par tous, même par ses parents. Un grand film cruel.

Notre-Dame-de-Paris (The Hunchback of Notre Dame) – de Wallace Worsley – 1923

Posté : 19 mai, 2019 @ 8:00 dans 1920-1929, FILMS MUETS, WORSLEY Wallace | Pas de commentaires »

Notre-Dame de Paris

Notre-Dame de Paris est un monument (le livre, pas l’édifice… enfin si, l’édifice aussi, mais en l’occurrence le livre). Et comme souvent face à un monument, on sent une vraie déférence de la part du réalisateur de cette adaptation, Wallace Worsley, cinéaste alors au sommet de sa carrière, qui signe là son plus gros succès populaire.

Worsley révèle un vrai sens du spectaculaire, notamment lorsqu’il filme son Quasimodo (joué par l’incontournable Lon Chaney) se balançant sur la façade de la cathédrale. Une cathédrale admirablement reconstituée en studio. Dès 1923 d’ailleurs, Universal avait largement basée la promotion de son film sur le gigantisme des décors, qui faisaient revivre ce Paris médiéval décrit par Victor Hugo.

Mais il manque au réalisateur une vraie vision pour faire de cette adaptation… eh bien autre chose qu’une adaptation très appliquée qui remplit son cahier des charges tout en restant relativement fidèle au texte original, dont on retrouve à peu près tous les grands épisodes.

Fidèle en tout cas pendant la première moitié du film, où les libertés que prend le film ne vont pas forcément à l’encontre du roman. La fin, en revanche, est une trahison en règle, qui sacrifie à tous les impératifs hollywoodiens : celui du happy-end (le sort réservé à Esmeralda), mais aussi celui du respect de la Religion avec un grand R (l’image donnée à l’archidiacre Frollo). Toute trace de subversion est donc soigneusement gommée, l’homme d’église étant l’unique être totalement pur de l’histoire…

Le film a bien des défauts, il a aussi ses qualités : la beauté spectaculaire des décors, ruelles mal fâmées ou façade impressionnante de Notre-Dame, et surtout la performance de Lon Chaney, qui réussit à rendre émouvant Quasimodo, dissimulé sous une épaisse couche de maquillage. C’est son premier rôle d’une telle ampleur, bien d’autres suivront…

La Vérité sur Bébé Donge – d’Henri Decoin – 1952

Posté : 18 mai, 2019 @ 8:00 dans * Polars/noirs France, 1950-1959, DECOIN Henri, GABIN Jean | Pas de commentaires »

La Vérité sur Bébé Donge

Le ton, la construction, les personnages, les dialogues, l’interprétation… Le film est d’une modernité hallucinante, et suffit à démontrer à quel point le jugement des jeunes loups de la Nouvelle Vague était excessif, voire absurde, sur leurs aînés. Certes, Henri Decoin n’a pas fait que des chefs d’œuvre, mais celui-ci en est un. Et Gabin, qui a parfois eu une tendance à la facilité, est ici magnifique, tout en retenue, en pudeur et en douleur. Raide dingue de Danielle Darrieux, et on le comprend, qui souffle le chaud (brûlant) et le froid (glacial).

C’est un film d’une étonnante modernité, dont le personnage principal est un homme d’un autre temps, figure du mâle dominant à l’ancienne, qui ne voit pas le mal de coucher à gauche et à droite ou de gifler sa femme. Faut bien que ça rentre dans sa caboche… Un type d’un autre temps, donc, marié à une femme également d’un autre temps, sans doute trop en avance dans cette société patriarcale implacable. Une jeune femme romantique et libre, détruite par cet homme (et cette société) psychologiquement si brutal.

D’une puissance folle sur le fond, La Vérité sur Bébé Donge est aussi un film magnifique dans sa forme, avec ses flash-backs audacieux, ce refus de la grandiloquence, cette caméra qui sait être virtuose (passant d’un personnage à l’autre, d’une conversation à l’autre, avec une extraordinaire fluidité lors d’une belle scène de réception), ces dialogues dits par des acteurs qui annoncent très paradoxalement ceux de la Nouvelle Vague dans leur manière de scander les mots.

Gabin est formidable parce qu’il ose jouer un homme qui ressemble à tous ses personnages de l’époque, mais qui au fond est odieux. Et Danielle Darrieux est sublime parce qu’elle sait être pleine de vie, puis livide, comme morte. Avec cette adaptation de Simenon, Decoin prouve une bonne fois pour toute que les jeunes loups des Cahiers ont un peu vite sacrifié tout un pan du cinéma français, qui recèle quelques perles brutes.

Ironweed, la force du destin (Ironweed) – d’Hector Babenco – 1987

Posté : 7 mai, 2019 @ 8:00 dans 1980-1989, BABENCO Hector | Pas de commentaires »

Ironweed

Entre son rôle diabolique dans Les Sorcières d’Eastwick et celui déjanté du Joker dans Batman, Jack Nicholson reste dans la performance avec ce clochard dont on suit le quotidien, alors qu’il remet les pieds dans ce quartier où, autrefois, il avait une vraie vie.

Surprise : c’est presque sobre qu’on retrouve le grand Jack. Malgré une tendance un peu trop flagrante à mettre très en valeur ses dents bien pourries, il est plutôt très en retenu, ce qui est loin d’être une généralité pour lui, en particulier à cette époque. Sobre, et convaincant, en homme hanté (littéralement) par son passé et les morts qu’il a laissés derrière lui.

Adapté d’un roman de William Kennedy (Pulitzer de la fiction, quand même), le film d’Hector Babenco ne manque pas d’ambition. Trop, peut-être : le succès de son premier film américain (Le Baiser de la femme araignée) semble avoir donné des ailes au réalisateur de Pixote, qui n’a sans doute pas la carrure pour réussir la grande œuvre définitive sur les clochards dont il rêve.

Le film échappe à pas mal d’écueils, cela dit : il évite le misérabilisme, n’en rajoute jamais dans le lacrymal, et ne romantise jamais ces laissés pour compte qui, tous, vivent comme prisonniers d’un passé plus heureux, ou d’un avenir qu’ils n’ont pas vécu. Mais Babenco ne trouve pas le ton juste entre la fresque et le portrait, entre une certaine grandiloquence et une vision plus intime.

Son film se retrouve entre deux chaises, et ce n’est que par moments que l’émotion surgit : lorsque la fille en colère baisse la garde devant ce père absent, lorsqu’une clocharde alcoolique dévoile ses rêves envolés avant de mourir, ou lorsque le personnage de Nicholson se laisse aller à un geste de tendresse envers celle qui lui sert de bouée de sauvetage depuis si longtemps…

Dans ce rôle, Meryl Streep est, finalement, très convaincante. Finalement, parce que son apparition laisse craindre le pire, tant ses partis-pris sont radicaux : enlaidie, pleine de tics, crasseuse… Elle choisit la démesure, mais sait rester juste constamment. Au final, c’est d’ailleurs grâce à ses acteurs que le film est plutôt réussi : outre Jack Nicholson et Meryl Streep, Tom Waits est magnifique en cancéreux effrayé à l’idée de mourir seul, et Carroll Baker (la Baby Doll de Kazan) bouleversante en épouse délaissée depuis trop longtemps.

Les Sept Amoureuses (Seven Sweethearts) – de Frank Borzage – 1942

Posté : 6 mai, 2019 @ 8:00 dans 1940-1949, BORZAGE Frank | Pas de commentaires »

Les Sept Amoureuses

Il y a bien sûr des thématiques très fortes dans l’œuvre de Borzage (je ne reviens pas dessus, relisez donc les précédentes chroniques). Il y a aussi des cycles très cohérents, et parfois étonnants, comme ce très pointu duo de films évoquant le poids des traditions ancestrales sur fond de tulipes, que Seven Sweethearts forme avec The Vanishing Virginian.

N’ayant point (encore) vu ce dernier, je me garderais bien d’aller plus loin dans le parallèle. Le film qui nous intéresse ici s’inscrit aussi dans une veine plus large de Borzage : la fantaisie romantique qui met en valeur les talents vocaux de ses interprètes. Et comme souvent, si mignonnet soit le trémolo (et le petit nez retroussé, mais ça n’a rien à voir) de Kathryn Grayson, ces intermèdes chantés ne sont clairement pas ce qu’il y a de plus emballant.

On est d’abord frappé par la vision que donne Borzage de cette petite ville du Michigan, où les vieilles traditions hollandaises sont omniprésentes. Une vision de carte postale, que découvre un journaliste new yorkais (Van Helfin, très bien en faux cynique) venu couvrir la très populaire fête des tulipes, quelque part entre Brigadoon et le Punxsutawney d’Un jour sans fin.

Dès son arrivée en ville, il découvre les habitants se répondant en musique d’un bout de la place centrale à l’autre. L’un des musiciens (le truculent S. Z. Sakall) est aussi le propriétaire de l’hôtel du coin. Mais un hôtel sans enseigne (pour pouvoir choisir ses clients) et sans clé aux portes, où on peut rester des mois sans payer sa note, et où tous les employés sont des jeunes femmes séduisantes portant des prénoms de garçons : les filles du proprio, qui a toujours voulu avoir un garçon.

Souvent, Borzage utilise des décors au bord de la caricature pour mieux symboliser la violence de son époque. Ici, il est comme hors du temps, coupé des réalités du monde malgré quelques vagues références (« Les temps changent, les traditions doivent évoluer »). Pour le moins étonnant, mais charmant, au final. La touche Borzage est bien là : cette manière si personnelle de filmer l’intimité qui naît entre un homme et une femme.

Van Heflin tombe donc sous le charme de chacune des sept filles de la maison, avant de découvrir le vrai sentiment amoureux avec l’une d’elles. Sauf que le papa est arc-bouté sur ses traditions, qu’il n’est pas envisageable de marier l’une de ses filles avant l’aînée (et les prétendants attendent depuis des mois avec une impatience grandissante), et que l’aînée, une égoïste égotiste, voit dans ce nouveau venu un billet pour la gloire à New York.

Romance, quiproquos, rebondissements… et un charme indéniable pour ce Borzage mineur et sans grande surprise, mais tellement charmant. La Borzage touch…

Né un 4 juillet (Born on the fourth of july) – d’Oliver Stone – 1989

Posté : 5 mai, 2019 @ 8:00 dans 1980-1989, CRUISE Tom, STONE Oliver | Pas de commentaires »

Né un 4 juillet

Après Platoon et avant Entre ciel et terre, Stone poursuit sa trilogie du VietNam avec cette adaptation (avec l’auteur) du livre autobiographique de Ron Kovic, vétéran de guerre revenu à la vie civile cloué sur un fauteuil, qui deviendra l’un des grands activistes anti-guerre. Un film radicalement différent du précédent, et du suivant, avec lesquels il forme pourtant un ensemble d’une remarquable cohérence.

Stone aurait pu surfer sur le succès de Platoon en creusant le même sillon. Du VietNam, on ne voit pourtant que quelques épisodes, aussi brefs que traumatisants : le massacre « accidentel » de civils, femmes et enfants dans un village, la mort « accidentelle » d’un soldat américain tué par l’un des siens, et puis les blessures de Ron. Rien d’autre, juste ces images qui reviennent en flashs tout au long du film.

Le film parle du traumatisme de la guerre, plus que de la guerre elle-même. Et Ron Kovic est le symbole parfait de ce traumatisme, pour ce qu’il représente de la jeunesse sacrifiée de tout un pays, et pour son destin personnel. Stone mêle ces deux aspects avec beaucoup de force et beaucoup de pudeur aussi. Plus encore que dans Platoon peut-être, la mise en scène est entièrement raccord avec l’état d’esprit de son personnage principal, tantôt va-t-en guerre nationaliste, tantôt vétéran en colère, tantôt jeune homme paumé à la recherche désespérée d’un sens à donner à sa vie.

Il fallait un acteur intense pour donner vie à cette vision de Ron Kovic selon Oliver Stone. Tom Cruise est l’homme de la situation (et pas seulement parce qu’il est né un 3 juillet). Déjà remarqué dans La Couleur de l’argent ou dans Rain Man, son talent protéiforme explose littéralement dans ce film, qui lui donne l’occasion de jouer sur tous les tableaux, du gamin puceau et maladroit au poivrot rageur en fauteuil. Il est assez exceptionnel, sans jamais en faire trop.

Jamais dans la performance pure, jamais dans le clinquant, il incarne un type pas facile à aimer. Un petit con qui se transforme en handicapé plein d’aigreur, avant de trouver une sorte de rédemption tardive. Comme dans tous ses meilleurs films (de Platoon justement, à JFK), Oliver Stone laisse planer un doute sur le fond : son personnage est-il totalement convaincu, ou ne cherche-t-il pas avant tout à trouver un sens à cette vie gâchée ?

Une trajectoire dont Stone s’empare en tout cas pour faire l’un de ses films les plus habités, l’un de ses plus convaincants.

La Courtisane (Susan Lenox (her fall and rise)) – de Robert Z. Leonard – 1931

Posté : 4 mai, 2019 @ 8:00 dans * Pre-code, 1930-1939, LEONARD Robert Z. | Pas de commentaires »

La Courtisane

Greta Garbo et Clark Gable, deux immenses stars, deux monstres sacrés symboles de deux âges d’or d’Hollywood, que la MGM réunit pour l’unique fois de leur carrière. Sur le papier, ça fait rêver. A l’écran, ça ne fait pas vraiment des étincelles. Comme les deux personnages qui passent une grande partie du film à passer l’un à côté de l’autre, les deux stars, si glamours soient-elles, échouent à former l’un de ces couples mythiques qui font la grandeur d’Hollywood.

A quoi est-ce dû ? A l’incompatibilité de jeu entre ces deux monuments, représentant chacun une époque bien différente de l’autre ? Ou plutôt à la mise en scène tantôt très inspirée tantôt un peu lâche, pas aidée par un montage trop serré qui ne rend pas hommage à l’ampleur de la destinée humaine qui se joue. Comment résumer en moins d’une heure vingt des mois, voire des années de drame ? A l’impossible, nul n’est tenu, en tout cas par Leonard, cinéaste inégal.

Inégal, il l’est ici aussi, avec une seconde moitié trop relâchée pour être vraiment émouvante, et une premier parsemée de moments absolument magnifiques. Les premières minutes notamment, font partie de ce que Robert Z. Leonard a fait de plus beau, de plus audacieux, et de plus fort : la naissance et la jeunesse du personnage de Garbo, résumé par un enchaînement d’ombres portées sur un grand mur vide. Du grand art, pour une séance superbe qui se termine par l’ombre du profil très reconnaissable de la Divine.

Promise à un mariage dont elle ne veut pas (avec Alan Hale), la jeune s’enfuit et se réfugie chez Clark Gable, qui la prend sous son aile avant de tomber amoureux. Mais le destin s’en mêle, et sépare les deux amants, qui s’enfoncent l’un et l’autre très profondément dans une spirale d’incompréhension et de rancœurs. Un peu trop d’ailleurs : Garbo passe son temps à tenter de reconquérir ce crétin de Gable trop fier, trop aveugle, trop con pour faire simple, pour simplement essayer de l’écouter.

Garbo est superbe dans ce film, tourné la même année que Mata-Hari ou le très beau L’Inspiratrice. Parfaite, et toute en nuances, face à un Clark Gable très charismatique mais qui pour le coup, en manque singulièrement (de nuances).

Chagrin d’amour (Smilin’ through) – de Frank Borzage – 1941

Posté : 3 mai, 2019 @ 8:00 dans 1940-1949, BORZAGE Frank | Pas de commentaires »

Chagrin d'amour

Pour son premier film en couleur (si on excepte le Billy le Kid qu’il a commencé la même année, sans être crédité), Borzage signe un remake assez fidèle de deux films tournés par Sidney Franklin en 1922 (avec Norma Talmadge) et 1932 (avec Norma Shearer). L’utilisation du Technicolor est d’ailleurs loin d’être anodine : avec ses tons sombres et automnales, le film met joliment en images les troubles du cœur et de l’époque.

Le film est un remake, mais ce sont des thèmes très borzagiens que l’on y retrouve : l’amour par-delà la mort, la menace de la guerre, le coup de foudre, les débuts difficile d’un couple… Il y a aussi ces destins qui se répondent ou se répètent d’une génération à l’autre, déjà à l’œuvre dans The Circle par exemple. Bref : une histoire taillée sur mesure pour le grand Frank, qui signe d’ailleurs un fort joli mélodrame, plein de beaux moments en état de grâce.

C’est l’histoire d’une jeune femme élevée en Angleterre par un oncle hanté par la mort de sa jeune épouse, des décennies plus tôt. La nièce tombe amoureuse d’un Américain de retour sur la terre familiale, et dont on découvre qu’il est le fils du type qui a assassiné la femme du tonton. Autant dire que ce tonton, si bon soit-il, voit cette idylle d’un bien mauvais œil. Jusqu’au jour où le jeune amant part pour les tranchées…

Il y a là matière à un gros mélo bien lacrymal. Mais Borzage évite l’écueil avec sa délicatesse habituelle. La guerre, que le cinéaste évoque dans tant de films sans en montrer grand-chose, n’est ici qu’une menace à peine perceptible : les bruits de canons au loin, des vitres qui tremblent… Mais c’est une menace constante qui annonce guerre, morts, et séparations. Mais c’est hors champs que se joue cette guerre, dès le très beau plan du départ de Gene Raymond, l’acteur sortant du cadre et les carrés de lumière figurant la marche du train, beau clin d’œil au fameux plan de L’Opinion publique.

Le bémol, c’est le caractère musical du film. Comme d’autres Borzage avant lui (Song o’ my heart, ou les films qu’il a tournés avec Dick Powell, Flirtation Walk et Shipmates forever), celui-ci est fait pour mettre en valeur les talents vocaux de sa star. Jeanette MacDonald en l’occurrence, bonne actrice et bonne chanteuse, mais dont les airs un peu vieillots d’opérette et la voix cristalline de cantatrice finissent par lasser.

Entre deux chansons, heureusement, on retrouve la vérité des rapports humains : ceux si romantiques de la belle et de Gene Raymond (« It’s so wonderful : opening my eyes and seeing you »), les deux acteurs interprétant par ailleurs également les rôles de l’épouse assassinée et de son meurtrier dans un long flash-back. Mais aussi l’amitié entre le tonton (Brian Aherne) et le révérend du village (Ian Hunter) belle histoire d’une tendre fidélité entre deux hommes vieillissants.

L’Homme sauvage (The Stalking Moon) – de Robert Mulligan – 1968

Posté : 2 mai, 2019 @ 8:00 dans 1960-1969, MULLIGAN Robert, WESTERNS | Pas de commentaires »

L'Homme sauvage

Robert Mulligan retrouve Gregory Peck, son Atticus Finch de To kill a mockinbird, pour un western d’une sécheresse percutante. Poussiéreux, rude, extrêmement peu bavard, le film bénéficie aussi d’une musique minimale qui sait disparaître durant de longs moments. De la même manière, la violence est, la plupart du temps, hors champs, et Mulligan s’attache à filmer le temps long, l’attente, pour mieux cerner la vérité de ses personnages et la tension, extrême.

Gregory Peck est un éclaireur de l’armée qui décide de retourner à la vie civile après quinze ans de service. Et qui accepte d’escorter sur sa route une jeune femme qui vient d’être libérée après avoir été enlevée par les Indiens dix ans plus tôt. Et avec elle son jeune fils, dont on devine bien vite (plus que le pauvre Peck) qu’il est le fils de cet Indien quasi-mythique dont le seul nom suffit à faire souffler un vent glacial sur n’importe quelle communauté.

C’est l’une des belles idées du film : faire du méchant un homme seul, dangereux, et invisible la plupart du temps. Un homme dont les massacres sont rapportés avec une telle terreur qu’il acquiert une dimension quasi démoniaque. Le film perd d’ailleurs un peu de sa force dès que cet Indien, Salvaje, pointe (tardivement) le bout de sa tunique.

Là où le film est le plus efficace, c’est justement dans la longue attente, à la fois sur le chemin puis dans la maison prise d’assaut. Comment combattre un ennemi qu’on ne voit pas ? Mulligan sait tirer le meilleur de ce postulat, en particulier lors de l’ultime « face à face » (les guillemets sont de rigueur, puisqu’on n’en voit qu’une, de face : celle d’un Peck mutique), étouffant suspense de près de vingt minutes.

Autre promesse (à peu près) tenue : la place de l’enfant, ce gamin dont on sent qu’il cherche sa place, entre la vie sauvage et meurtrière de son père, et l’avenir plus rangé et plus « civilisé » qui l’attend avec sa mère (jouée par Eva Marie-Saint, très bien en jeune femme réapprenant péniblement la vie en société, si restreinte soit cette société). Mulligan n’en rajoute pas sur le sujet, peut-être pas assez d’ailleurs. Mais au détour d’un geste troublant, d’une course stoppée dans son élan, il réussit à faire ressentir les hésitations de ce gamin coincé entre deux civilisations.

Ce sujet aurait sans doute pu, ou dû, être plus central. Mais à la psychologie des personnages, Mulligan privilégie la tension et le suspense. Avec une efficacité énorme, un vrai sens du paysage, et un Peck impeccable dans le genre « je sais que je fais une connerie, mais je la fais quand même ».

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