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Archive pour la catégorie '1990-1999'

Le Temps de l’innocence (The Age of Innocence) – de Martin Scorsese – 1993

Posté : 15 novembre, 2018 @ 8:00 dans 1990-1999, SCORSESE Martin | Pas de commentaires »

Le Temps de l'innocence

Pas une goutte de sang dans ce Scorsese là, tourné entre Les Nerfs à vif et Casino qui, eux, ne lésinaient pas. Pourtant, Le Temps de l’innocence est un film d’une violence tout aussi radicale. Une violence sociale pour le coup, où la question des sentiments, et les rapports humains en général, font d’autant plus de dégâts qu’il importe de faire bonne figure malgré tout dans cette société là.

Cette société, c’est la haute du New York des années 1870. Entre les coups de couteaux de Gangs of New York et les exécutions des Affranchis, c’est donc chez les gens du monde qu’on se montrait impitoyable. A cause du poids des « convenances » bien sûr : on a vu ça dans des tas de films et de romans. Mais aussi et surtout à cause d’un hallucinant manque d’empathie.

Ah ils sont beaux, tous, à l’image de Winona Ryder, au sommet de sa carrière (cette année-là, elle est aussi l’héroïne du Dracula de Coppola). Belle… et parfaitement glaciale, son visage si doux contrastant cruellement avec son humanité très corsetée. Face à elle, Michelle Pfeiffer est une belle victime expiatoire, à la fois libre et prisonnière de ce monde inhumain. Et entre les deux belles, Daniel Day Lewis, tout sauf un héros, un type dont la révolte apparente n’enlève rien au fait qu’il subit constamment son environnement.

Scorsese filme ce microcosme comme il filme la mafia : comme une sorte de grande famille castratrice où chacun, à tout moment, doit respecter les règles en vigueur, immuables. Le style visuel qu’il adopte est constamment au service de son propos : montage, inserts, gros plans, et même des caches (de lumière) comme aux premiers temps du cinéma, qui soulignent constamment les regards omniprésents, et l’impossibilité d’être seul dans ce New York aristocratique, étouffant. C’est dur, et magnifique.

Twin Peaks, le film (Twin Peaks, fire walk with me) – de David Lynch – 1992

Posté : 22 octobre, 2018 @ 8:00 dans 1990-1999, FANTASTIQUE/SF, LYNCH David, POLARS/NOIRS | Pas de commentaires »

Twin Peaks le film

On peut dire à peu près tout et son contraire de ce film : à la fois qu’il prolonge la série et qu’il la réinvente ; qu’il bouscule le spectateur mais lui offre tout ce qu’il souhaite ; qu’il change le regard que l’on porte sur la mort de Laura Palmer mais ne raconte à peu près rien d’autre que ce que l’on savait déjà. C’est aussi une sorte d’aboutissement, en même temps qu’un plan B (il était question d’une saison 3, avant que Lynch ne se « contente » d’un long métrage). Et puis l’œuvre d’un auteur, autant qu’un film de commande.

Dans ce film magnifique et hypnotique, souvent oublié dans la liste des grandes réussites de Lynch, le cinéaste réussit à nous tenir en haleine alors qu’on sait à peu près toujours, jusque dans le détail, ce qui va se passer. Si on a vu la série bien sûr, ce qui est quand même très recommandé, mais pas indispensable. Aucune chance de comprendre l’intrigue dans le cas contraire, mais est-ce vraiment si important ?

Le plaisir, comme dans tous les chefs d’œuvre lynchiens, consiste aussi à se laisser perdre dans les méandres du bonhomme, quelque part entre la grande tradition du film noir et un trip hallucinatoire entre rêve et réalité, où la frontière entre l’un et l’autre est de plus en plus intangible, où le passé, le présent, le futur, et ce qui aurait pu advenir se mêlent inexorablement.

Fire walk with me annonce Lost Highway et Mulholand Drive, premier volet d’une sorte de triptyque magnifique, sommet de la filmographie de Lynch. Un film total en quelque sorte, qui joue sur tous les sens, qui se ressent viscéralement autant qu’il se regarde et se comprend (à peu près). Un film dans lequel on prend un pied total à se laisser perdre, où les agents du FBI communiquent par danseuse muette interposée, où David Bowie est une apparition sortie du passé, où le Dale Cooper coincé dans la loge noire apparaît à une Laura Palmer encore bien vivante…

Et quand, après une première partie sans les lieux et les personnages qui nous sont si familiers (à l’exception de David Lynch lui-même, dans le rôle de Gordon Cole), l’histoire arrive enfin à Twin Peaks, Lynch répond aux attentes les plus primaires des fans de la première heure : une pancarte qui annonce l’arrivée dans la ville, les quelques notes inoubliables d’Angelo Badalementi, et puis la plupart des personnages qui défilent, parfois pour de simples apparitions… Le plaisir, immense, tient aussi à ça : à ce respect absolu pour la série, dont le film est un prolongement rigoureusement inutile pour l’histoire, mais absolument indispensable pour le trip.

Twin Peaks, saison 2 (Twin Peaks, season 2) – créée par David Lynch et Mark Frost – 1990-1991

Posté : 19 octobre, 2018 @ 8:00 dans 1990-1999, CLIFFORD Graeme, DESCHANEL Caleb, DUNHAM Duwayne, EDEL Uli, FANTASTIQUE/SF, FOLEY James, FROST Mark, GLATTER Lesli Linka, GYLLENHAAL Stephen, HOLLAND Todd, HUNTER Tim, KEATON Diane, LYNCH David, POLARS/NOIRS, RATHBONE Tina, SANGER Jonathan, TÉLÉVISION | Pas de commentaires »

Twin Peaks saison 2

7 épisodes dans la première saison. 22 dans cette deuxième. Un simple constat qui annonce un ton, une approche et un rythme très différent. La première partie de cette saison s’inscrit pourtant clairement dans la continuité de la première : le mystère autour de la mort de Laura Palmer est toujours aussi opaque, et les secrets que cette mort révèle à Twin Peaks de plus en plus lourds et sombres.

Sauf que le mystère qui a provoqué l’arrivée de Dale Cooper est résolu avant la mi-saison, répondant à la plupart des principales interrogations que l’on pouvait avoir. La plupart des principales, ai-je bien précisé : parce que le duo Lynch/Frost a pris un malin plaisir, dès le début de la série, de multiplier les pistes, les intrigues, les personnages et les secrets, avec une liberté totale, des directions qui semblent infinies, et en même temps une grande cohérence.

Jusqu’alors, il y avait en tout cas ce fil conducteur : la mort de Laura Palmer. Et après ? La série pouvait-elle garder son cap ? Rester aussi passionnante ? Mieux que ça : comme libérés de cette contrainte, Lynch et Frost densifient encore la richesse de leur univers, et accentuent le sentiment de liberté en tirant d’innombrables fils qui s’entrecroisent, s’emmêlent parfois aussi.

Bien sûr, il y avait déjà eu Le Prisonnier et quelques autres séries devenues (ou pas) cultes avec le temps. Mais jamais jusque là une série télé n’avait eu cette audace et cette qualité. X-Files, qui arrivera peu après, lui devra beaucoup (David Duchovny trouve d’ailleurs son premier rôle marquant dans cette saison 2 : celui d’un agent du FBI travesti), ainsi qu’à peu près toutes les séries d’auteur qui vont apparaître dans sa lignée.

Le show révolutionne tous les codes de la télévision, et fait entrer le cinéma de David Lynch dans un âge d’or. Et il marque durablement les esprits de générations de téléspectateurs, hantées par les cafés, les tartes aux cerises, les chouettes, les jeux d’échec ou les soldats de bois. Il y a dans Twin Peaks un extraordinaire foisonnement d’images fortes, de personnages hors du commun. Un incroyable mélange de trivialité et de merveilleux, de sentiments simples et de mystères insondables.

Bien sûr, on ne comprend pas toujours parfaitement. Mais quel plaisir de se laisser perdre dans les forêts touffues des abords de Twin Peaks, et dans les recoins tout aussi sombres et mystérieux de ses personnages, dont pas un (à l’exception peut-être des forces de l’ordre) ne semble dénué de secret.

Episode après épisode, on s’enfonce un peu plus dans le charme vénéneux de la ville et de la série, jusqu’à un final glaçant, insondable et fascinant, sommet de l’onirisme morbide lynchien, superbe apothéose d’une série qui continue à hanter bien des cinéphiles…

Géronimo (Geronimo : an American legend) – de Walter Hill – 1993

Posté : 28 septembre, 2018 @ 8:00 dans 1990-1999, HILL Walter, WESTERNS | Pas de commentaires »

Geronimo

Walter Hill est un grand cinéaste classique. Sa filmographie n’est sans doute pas irréprochable, mais je suis assez persuadé que la postérité le mettra à la place qu’il mérite. Il n’y a plus qu’à espérer que ce soit de son vivant. Film après film, le talent du cinéaste est en tout cas de plus en plus flagrant. Même dans des films à moitié réussis seulement, il y a un sens de l’image et du rythme, une manière de filmer l’action et la tension, et un classicisme particulièrement séduisants.

C’est le cas de ce Geronimo, ambitieuse fresque westernienne sortie dans une indifférence à peu près générale, et complètement oubliée dans la foulée. Un film que j’aurais sans doute laisser sommeiller longtemps sur une étagère sans la découverte de Ry Cooder, immense guitariste qui en signe la musique hypnotisante (découverte due à l’excellente émission d’Inter Very Good Trip).

C’est une belle réussite pourtant. Imparfaite, certes, ne serait-ce que parce que Hill doit faire avec un écueil de poids : Jason Patric, acteur balourd, sans charisme ni talent, à qui on confie le rôle central de l’histoire. Hill en est d’ailleurs visiblement conscient : même si Patric figure bien à la première place au générique, son personnage semble avoir été effacé autant que possible, ses apparitions se limitant au strict minimum pour assurer le déroulement du scénario.

Pour le reste, que du bon ou presque. Un excellent casting d’abord (en dépit du sus-mentionné, donc) : Gene Hackman et Robert Duvall qui en font juste un tout petit peu trop pour ne pas être agaçants, Matt Damon tout jeune et impeccable, et surtout Wes Studi, impressionnant de rage et de sagesse dans le rôle de Geronimo.

Moins ouvertement manichéen que Danse Avec Les Loups, le film se place tout de même très clairement du côté des Indiens, dont les exactions ne sont pas édulcorées. « Vous avez tué des femmes et des enfants », lance le général Gene Hackman à Geronimo. « Vous aussi », lui répond-il. C’est simple et direct, et ça a un impact fou. A l’image du cinéma de Hill en quelque sorte.

On est du côté de la grande Histoire (avec un grand H), que Walter Hill dépoussière comme il le fera aussi avec Wild Bill. On est surtout du côté du grand cinéma classique. Ce n’est pas un hasard si le film a été tourné à Monument Valley. Comme Ford, dont il a sans doute beaucoup aimé Les Cheyennes, Hill place l’homme dans son élément, avec de grands et larges plans somptueux. Pour mieux souligner la douleur et la cruauté de l’exil, thème central comme dans le chef d’oeuvre de Ford.

Comme un oiseau sur la branche (Bird on a wire) – de John Badham – 1990

Posté : 24 septembre, 2018 @ 8:00 dans 1990-1999, ACTION US (1980-…), BADHAM John | Pas de commentaires »

Comme un oiseau sur la branche

Un bon test pour vérifier qu’un film a ce petit quelque chose en plus qui fait la différence. Vous le voyez une fois très jeune, disons vers 14 ans. Vous attendez deux ou trois décennies, et vous confrontez vos souvenirs et sensations d’ados à votre regard de jeune quadra. Oui, ça demande un peu d’organisation, et un peu de temps, mais ça n’est pas inintéressant.

Parfois, le verdict est concluant. J’aurais des tas d’exemples à citer en fouillant sur ce blog, le plus récent étant le magnifique Luke la main froide. Et parfois, ce qui domine, eh bien c’est le poids du temps qui passe. C’est un peu le cas de ce Bird on a wire qui m’avait convaincu à l’époque que Mel Gibson était ce qui était arrivé de mieux au cinéma d’action avec le Bruce Willis période Die Hard, et qui m’avait laissé le souvenir d’une enthousiasmante comédie d’action pleine de vie et de rythme.

Me voilà nettement moins emballé, c’est rien de le dire. On ne s’ennuie pas vraiment devant cette histoire d’un témoin sous surveillance que son ancienne petite amie (Goldie Hawn) retrouve par hasard quinze ans après sa prétendue mort. Mais tout ça a pris un sacré coup de vieux, comme si la révolution Die Hard, justement, n’était pas passée par là.

Des méchants caricaturaux (Bill Duke et David Carradine, qui apparaît pieds nus comme un clin d’œil tout pourri à sa série Kung Fu), un humour un peu lourdingue, une misogynie assumée (Gibson est le héros, Goldie est le boulet), et des scènes d’actions souvent très molles… On est encore en pleines 80s.

Ce n’est jamais surprenant, jamais impressionnant, jamais passionnant, jamais vraiment désagréable non plus. Et il y a quand même cette nostalgie qui finit par s’imposer, dans les yeux des personnages renvoyés à leur propre jeunesse, comme dans ceux du jeune quadra renvoyé à sa prime cinéphilie…

La Liste de Schindler (Schindler’s List) – de Steven Spielberg – 1993

Posté : 13 septembre, 2018 @ 8:00 dans 1990-1999, SPIELBERG Steven | Pas de commentaires »

La Liste de Schindler

Bien sûr, La Liste de Schindler est un film imparfait. OK, il n’est pas non plus exempt de fautes de goûts : la scène de la douche, en particulier, faux suspense qui semble n’être là que pour rassurer les producteurs hollywoodiens, est déplacée et même gênante.

Mais quand même, Spielberg signe un film d’une remarquable dignité. Parfois étouffé par l’immense respect et la sincérité indéniable du cinéaste (la scène où Schindler revient à pied entouré de toutes ces femmes qu’il a tirées d’Auschwitz est assez peu crédible, et frôle le ridicule), mais d’une force indéniable, et souvent très juste.

Même la très décriée robe rouge de la fillette juive, unique touche de couleur du film, s’avère un parti-pris délicat et simplement beau. Ou comment souligner sans en rajouter que toutes ces victimes dont on met souvent le nombre gigantesque en avant sont autant d’individus et de destins brisés.

Il y a en fait deux films, dans La Liste de Schindler. D’abord, celui consacré aux destins des Juifs, que Spielberg filme comme pris dans une spirale infernale dans laquelle ils perdent peu à peu tout ce qu’ils ont : leur liberté, leur maison, leurs biens, leur dignité…

Là, Spielberg enchaîne les moments très forts, frôlant par moments l’effet catalogue. Mais la sincérité et la force du propos sont telles qu’on ne peut que s’incliner devant la démarche qui tient autant du film de cinéma que de l’hommage pur, comme le confirme la fin.

L’autre film, c’est le portrait de Schindler lui-même, ordure banale que l’on voit prendre conscience peu à peu de l’horreur dont il est le complice malgré lui. Liam Neeson, dans le rôle de sa vie (ben oui, s’il ne s’était pas vautré dans le cinéma d’action cheap ces dernières années, il l’aurait peut-être eu, le rôle de Lincoln qui lui a longtemps été promis), est formidable.

Et c’est peut-être ce qu’il y a de plus fort dans le film : ce personnage dont Spielberg n’atténue pas les tares, mais dont l’humanité finit par faire la différence au milieu des bourreaux malades dont le terrible Amon Goeth, rôle qui a révélé Ralph Fiennes.

Il y a la musique aussi, déchirante comme un râle qui aurait traversé le temps et qui renforce magnifiquement l’émotion. Et puis cette ironie, cruelle, qui vient refermer le film : l’armée soviétique vient « libérer » les camps par un unique cavalier, et qui a cette réplique définitive : « Vous ne pouvez pas aller à l’est, ils vous détestent. Si j’étais vous, je n’irais pas non plus à l’ouest. »

Terminator 2, le jugement dernier (Terminator 2, Judgment Day) – de James Cameron – 1991

Posté : 4 juillet, 2018 @ 8:00 dans 1990-1999, CAMERON James, FANTASTIQUE/SF | Pas de commentaires »

Terminator 2

C’était quand même bien, James Cameron. Un champion du box office qui s’avère être un véritable auteur, vous en connaissez encore beaucoup, vous ? Ceux qui ont connu ce début des années 90 au cinéma se souviennent forcément de la sortie en salles de cette suite, un événement total dont on assurait qu’il allait profondément changé la face du cinéma d’action.

Eh bien oui, il l’a changée, et pas qu’un peu. Par ses thèmes apocalyptiques d’abord, déjà évoqués dans le premier Terminator, mais transfigurés ici pour devenir une réflexion audacieuse (et intelligente, oui) sur l’intelligence artificielle, la responsabilité de l’homme, la transmission, et même la figure paternelle avec cet incroyable père de substitution, apparemment sans émotion, mais qui se révèle sur pas mal de points plus humain que les humains.

C’est Schwarzenegger bien sûr, dans le rôle de sa vie, qu’il ne cesse de retrouver (la suite directe de T2, qui fait abstraction des autres suites, est d’ailleurs en tournage). Incroyable bête de cinéma, au sommet de son charisme. Une pure présence de cinéma d’action, mais d’où vient cette émotion lorsque Sarah Connor l’observe, entretenant avec son fils le genre de relation dont le gamin a toujours été privé…

Si le film a bouleversé le cinéma d’action, c’est aussi, évidemment, avec ses effets spéciaux, révolutionnaire à l’époque. Et s’ils restent aussi impressionnants presque 30 ans plus tard, alors que les effets numériques sont depuis longtemps devenus la norme à Hollywood, c’est à la fois parce qu’ils sont utilisés par un grand cinéaste, qui sait raconter une histoire avec une parfaite fluidité, et parce que le numérique se mêle habilement aux prises de vue réelle.

Beaucoup de cascades sont réalisées « en vrai », et pas sur fond vert. L’irruption du numérique dans le vrai monde : c’est non seulement le thème du film, mais c’est aussi le parti-pris de Cameron, pour ce monument indépassable de la culture populaire récente. Son grand-oeuvre, qui n’a rien perdu de sa force de frappe.

Bad Lieutenant (id.) – d’Abel Ferrara – 1992

Posté : 24 avril, 2018 @ 8:00 dans * Thrillers US (1980-…), 1990-1999, FERRARA Abel | Pas de commentaires »

Bad Lieutenant

Il y en a qui aiment les héros, d’autres les losers, certains préfèrent les romantiques, d’autres encore les cyniques. Le cinéma de Ferrara, lui, est peuplé d’authentiques paumés, d’ordures, de ratés, de violents minables. Bref, des laissés pour compte de l’humanité, pour ne pas dire des rebus.

Bad Lieutenant est peut-être le plus hallucinant de ses films, le plus radical, et en même temps le plus tenu. Celui de ses films qui montre de la manière la plus brute et frontale le naufrage absolu et sans secours possible d’un homme trop faible pour surnager, pour choisir la bonne voie.

Le constat est d’autant plus radical que le type en question est un flic, qu’il a une chouette famille, et qu’il vit dans un pavillon simple mais accueillant. C’est Harvey Keitel, extraordinaire en ripoux minable et dopé par tous les pores de son corps, dont la descente aux enfers est marquée par des scènes de piqûre, de sniffe, de fumette… Comme si tout ce qu’il pouvait attendre de son existence était de faire le tour des différents moyens de se droguer.

Ferrara filme ça avec un réalisme qui bouscule, sans le moindre romantisme bien sûr. Et il fallait un acteur de la trempe de Keitel, au sommet, pour se laisser entraîner dans ce voyage si absolu et si autodestructeur. A l’époque, il enchaînait les rôles marquants, chez Jane Campion (La Leçon de Piano) comme chez Tarantino (Reservoir Dogs). Celui-ci est sans doute le plus extrême et le plus fort.

Il est question de rédemption pourtant, et la religion est omniprésente : le viol d’une religieuse trop belle et trop pure, et le pardon que cette dernière accorde immédiatement à ses agresseurs, conduisent le « bad lieutenant » vers une prise de conscience. Mais si la rédemption est possible, l’espoir, lui, n’existe pas : le rapport à la foi, si important soit-il, ne fait que confronter le personnage à ses échecs et à ses actes minables.

La descente aux enfers est brutale, et Ferrara n’accorde aucune circonstance atténuante à son personnage. Pourtant, on sent une certaine tendresse pour lui, pour ce type qui, finalement, forme un tout avec ce New York des paumés et des dopés dont il est devenu l’un des éléments. D’ailleurs, lorsqu’il se décide enfin à se racheter, c’est en offrant un aller simple à deux types entraînés dans la même spirale que lui.

Les Joueurs (Rounders) – de John Dahl – 1998

Posté : 4 avril, 2018 @ 8:00 dans * Thrillers US (1980-…), 1990-1999, DAHL John | Pas de commentaires »

Les Joueurs

Avant de devenir réalisateur de séries TV, John Dahl fut un bel espoir du cinéma de genre américain. Ses trois premiers films (Kill me again, Red Rock West et Last Seduction), surtout, firent de lui un séduisant héritier des grands maîtres du film noir classique, avec leurs anti-héros champions de la lose et leurs femmes fatales. Avec Les Joueurs, Dahl s’attaque à une autre figure cinématographique purement américaine : le joueur de poker. Sans apporter grand-chose à un motif qui, lui, n’a jamais quitté le grand écran.

Il y a quelque chose d’évidemment très cinégénique dans le poker, y compris lorsqu’on n’y comprend pas grand-chose : le jeu de dupes, les retournements de situation, le suspense omniprésent… Pas difficile d’utiliser le jeu comme un ressors dramatique efficace. D’ailleurs, plus d’un film médiocre a été sauvé par ces scènes de poker qui, comme une scène de montagne par exemple, assure un moment de tension facile dans le pire des cas.

John Dahl n’apporte rien à la manière de filmer le poker. Moins virtuose que le Curtis Hanson de Lucky You, il signe toutefois une mise en scène classique et très efficace. Ses personnages aussi sont classiques et efficaces : le duo Matt Damon – Edward Norton surtout, qui semblent tout droit sortis d’un film des années 40. On peut quand même avoir quelques réserves face au cabotinage de John Turturro, et surtout de John Malokovich, à qui il faudrait une bonne fois pour toutes arrêter de dire qu’il est génial : depuis qu’on lui répète, il a fini par s’en convaincre.

N’empêche, on suit ça avec un certain plaisir, tout en ayant toujours conscience d’être en terrain connu, avec zéro surprise. D’ailleurs, in fine, on comprend que le scénario n’existe que pour la séquence finale. Toute l’histoire ne servait qu’à nous conduire vers cette partie durant laquelle Matt Damon joue littéralement pour sa vie. Partie réjouissante, mais étonnamment dépourvue de suspense, pourtant…

Rasé de près (A close shave) – de Nick Park – 1995

Posté : 10 mars, 2018 @ 8:00 dans 1990-1999, COURTS MÉTRAGES, DESSINS ANIMÉS, PARK Nick | Pas de commentaires »

Wallace et Gromit Rasé de près

Après Une grande excursion et Un mauvais pantalon, Rasé de près venait clore une trilogie formidable mettant en scène le duo le plus enthousiasmant de l’histoire de la pâte à modeler, trilogie de courts métrages qui a depuis été prolongée à plusieurs reprises au cinéma et à la télévision.

A close shave est un hommage très réussi aux films d’horreurs des années 30, avec ses savants fous, ses machines infernales, mais aussi ses plaines embrumées et ses monstres inhumains. Tout ça pour rire, bien sûr, mais Nick Park filme sa comédie avec un sens du cadrage qui renvoie explicitement à l’imagerie du cinéma d’épouvante.

Le rythme est impressionnant, et repose en grande partie sur la complémentarité d’un Wallace souvent à côté de la plaque, et d’un Gromit (le chien, donc) plus lucide mais incapable de se faire comprendre. L’humour repose souvent sur le regard de Gromit en arrière-plan, tantôt attéré, tantôt inquiet, tantôt amusé.

A close shave, c’est aussi à peu près une trouvaille à chaque plan, souvent formidable, des inventions totalement délirantes et complètement inutiles du début, à la désopilante poursuite nocturne, avec un Shaun le mouton qui, dans sa toute première apparition, gagne d’emblée ses galons de vedette : le mouton sera par la suite le héros de sa propre série et d’un long métrage.

* Le film est resorti en salles fin 2017 dans une séance double-programme avec Sacré pétrin, sous le titre Wallace et Gromit : cœurs à modeler.

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