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Archive pour la catégorie '2010-2019'

Shaun le mouton : la ferme contre-attaque (A Shaun the Sheep Movie : Farmageddon) – de Will Becher et Richard Phelan -2019

Posté : 18 janvier, 2020 @ 8:00 dans 2010-2019, BECHER Will, DESSINS ANIMÉS, PHELAN Richard | Pas de commentaires »

Shaun le mouton la ferme contre-attaque

Ça sent la mauvaise idée à plein nez : pour son deuxième long métrage, Shaun le mouton, le personnage en pâte à modeler, s’offre une rencontre avec un extraterrestre. Loin, donc, des aventures plus terre-à-terre auxquelles il était habitué dans la série télé qui lui était consacrée.

On retrouve tout de même l’esprit de Nick Park, cet humour anglais qui avait fait le succès de Wallace et Gromit. Mais dilué dans une avalanche de références aux grands (ou moins grands) films de science fiction, qui ont le mérite d’occuper le papa qui sans ça aurait tendance à s’ennuyer un peu.

D’ailleurs, le film est un remake qui ne dit pas son nom de E.T. : même histoire d’un alien paumé sur terre qui veut « phone home » pour retrouver les siens, même scène de rencontre dans la grange, même apparition inquiétante des agents du gouvernement, même volonté de donner un faciès trop mignon à l’extraterrestre…

A part ça, on a droit aux clins d’œil les plus attendus (le plan de la lune de E.T., la musique d’X-Files et celle de Rencontre du 3e type), et d’autres plus surprenants : le « transformer » qui grimpe une tour comme King Kong avant lui (bof), le toast qui sort comme se dressait le monolyte de 2001 (réjouissant). Et beaucoup, beaucoup d’autres.

Mais c’est quand il se défait de cette volonté de citer les anciens que ce Shaun le mouton est le plus réussi. Le gag initial des frites, ou le concours de conneries des moutons dans la ferme… On retrouve là l’ADN du studio Ardman, un peu brièvement hélas.

The Irishman (id.) – de Martin Scorsese – 2019

Posté : 1 décembre, 2019 @ 8:00 dans * Films de gangsters, 2010-2019, DE NIRO Robert, PACINO Al, SCORSESE Martin | Pas de commentaires »

The Irishman

Le voilà donc, le film le plus attendu de l’année… De la décennie ? Quel plaisir, en tout cas, de voir se reformer le duo Scorsese/De Niro. J’ai beau avoir assommer mes enfants avec ça, avec l’importance que revêtaient ces retrouvailles pour tout cinéphile… La dernière fois que ces deux là ont bossé ensemble, c’était dix ans avant leur naissance. Autant dire qu’en tant qu’acteur vivant, De Niro ne représente pas grand-chose pour eux. En tant que monument du cinéma, en tant que légende… mais en tant qu’acteur vivant ?

Dans quoi ont-ils eu l’occasion de le voir au cinéma ? Lui ou Pacino, d’ailleurs. Depuis cette fameuse année 1995 (celle de Casino, donc, mais aussi celle de Heat), ces deux monstres sacrés ont largement mangé leur pain noir, au point d’en faire une sacrée indigestion. De Niro n’a pas fait que des nanars ces dernières décennies, mais aucun chef d’œuvre incontestable non plus. La période bénie de Taxi Driver, Le Parrain 2, Il était une fois en Amérique, Les Affranchis ou Raging Bull semblaient appartenir pour de bon au passé, trop souvent perdu qu’il était entre polars sans souffle et comédies potaches. Pas mieux pour Pacino, lui qui pouvait se vanter d’un quasi-sans faute de ses spectaculaires débuts jusqu’au nouveau millénaire…

The Irishman, maintenant, est-il à la hauteur de l’attente ? Une chose est sûre : après ce film, De Niro et Pacino ne peuvent décemment plus continuer à gâcher leur talent. Oui, le film est formidable. Et oui, tous les deux livrent leur meilleure prestation d’acteur depuis des années.

Dans le rôle de Hoffa, personnage gargantuesque taillé pour lui, Pacino est extraordinaire. Dans celui de Frank Sheeran, le personnage central du film, homme de main de la mafia connu d’abord pour « repeindre des maisons » (du sang de ses victimes), on retrouve le De Niro des grandes années, qu’on pensait avoir perdu pour de bon : intense, débarrassé de ses tics. Superbe.

Comme souvent dans ses collaborations avec Scorsese, c’est De Niro qui a suggéré cette histoire au cinéaste. Ce film, il le sentait, était fait pour eux. Evidemment, aurait-on envie d’ajouter. Il y a, tout au long des 3h30 qui filent sans qu’on y prenne garde, une évidence qui saute au visage. Scorsese se défend d’avoir fait un film dans la lignée des Affranchis, c’est pourtant totalement ça : The Irishman est une sorte de prolongement de son chef d’œuvre, trente ans plus tard. Avec le même milieu, la même ampleur, la même virtuosité, le même mélange de banalités et d’extrême violence, les mêmes acteurs bien sûr (De Niro, mais aussi Joe Pesci, sorti de sa retraite)…

Dans les deux films, Scorsese nous plonge littéralement au cœur du monde des gangsters de la deuxième moitié du 20e siècle, avec un récit qui s’étale sur plusieurs décennies, du point de vue d’un protagoniste qui a survécu à tout et se retrouve seul au bout de la route. La grande différence entre les deux films, ce n’est pas tant la construction qui, ici, semble vagabonder au fil des souvenirs d’un Sheeran en fin de vie, plutôt que de suivre un fil chronologique. C’est plutôt, justement, les trente ans qui séparent les deux films.

The Irishman s’ouvre par un long travelling dans les couloirs d’une maison de retraite, avec la caméra qui s’avance comme à pas feutrés, pour s’arrêter sur le visage d’un très vieil homme : De Niro. Ce n’est plus un homme qui a tourné le dos aux siens, comme l’était Henry Hill dans Les Affranchis, mais un vieillard qui a survécu à tous ceux qui étaient son univers, et qui n’a pas su garder ceux qui auraient dû compter vraiment.

The Irishman marque les retrouvailles d’un cinéaste de 75 ans avec des acteurs qui l’accompagnent depuis quarante ans (Harvey Keitel, aussi), ou qu’il dirige pour la première fois (Al Pacino) et qui, tous, ont le même âge. Ce n’est pas un détail : c’est le sujet même du film. La vieillesse, le temps qui passe et ce qu’on en fait… Et c’est bouleversant, sans que l’on soit vraiment capable de dire pourquoi. Est-ce parce que Scorsese est, tout simplement, un cinéaste immense ? Ou juste parce que son film a des allures de testament ? Que Scorsese et De Niro refassent un film ensemble ou pas n’y changera rien : celui-ci, ultime film de mafia, 45 ans après Mean Streets, marque la fin d’une époque.

C’est un film sombre, violent et fascinant, qui raconte, parfois en creux, l’histoire des Etats-Unis de l’après-guerre. Inspiré des mémoires de cet homme de main qui affirma avoir tué Jimmy Hoffa, le célèbre et tout puissant patron du syndicat des camionneurs (dont le corps n’a jamais été retrouvé), dont la mort annoncée hante tout le film, comme celle des différents personnages que croise Sheeran, et dont on apprend par des arrêts sur image qu’ils auront pour la plupart des morts violentes…

Le film évoque aussi la Baie des Cochons, l’assassinat de Kennedy, le scandale du Watergate… Tout un pan de l’histoire américaine tellement fascinante, et qui renvoie à toute une tradition du cinéma américain. Est-ce un clin d’œil délibéré ? Il est assez savoureux en tout cas d’entendre Joe Pesci évoquer le nom d’un « inverti roux du nom de Ferry », personnage trouble lié à l’assassinat de Kennedy qu’il a lui-même interprété dans le JFK d’Oliver Stone. Une simple évocation qui éveille en tout cas tout un imaginaire complotiste que Scorsese se contente de placer en arrière-plan, restant constamment concentré sur le point de vue de Sheeran, simple homme de main.

Quant au fameux rajeunissement numérique des acteurs, qui a rendu le film possible, il n’est troublant que dans la première partie, et surtout parce que les mouvements des acteurs sont, eux, bien des mouvements d’hommes de 75 ans, pas de quadragénaires. Mais les trucages n’enlèvent rien au jeu des acteurs, à la puissance de leurs silences. Le film a beau être bavard, comme souvent chez Scorsese, ce sont ces silences qui marquent le plus : ces silences évocateurs où on sent que quelque chose bascule, et que rien ne sera plus comme avant. Du grand Scorsese, du grand cinéma.

Wall Street : l’argent ne dort jamais (Wall Street : money never sleeps) – d’Oliver Stone – 2010

Posté : 28 novembre, 2019 @ 8:00 dans 2010-2019, STONE Oliver | Pas de commentaires »

Wall Street l'argent ne dort jamais

Reconnaissons à Oliver Stone une vraie envie de filmer cette suite tardive, et pas uniquement une volonté de renouer avec un succès envolé depuis longtemps. Dans sa grande époque, le cinéaste plongeait dans le passé relativement récent de son pays. Depuis quelques années, c’est surtout l’actualité qui l’inspire. Les attentats du 11 septembre (World Trade Center), le portrait d’un président tout juste retraité (W)… Le voir s’attaquer à la crise financière semblait donc quasiment inévitable.

Revoilà donc Gordon Gekko, le cynique prince déchu de Wall Street, toujours interprété par l’impeccable Michael Douglas. Ce dernier a perdu de sa superbe lorsque Wall Street 2 commence. Sortant d’une longue peine de prison, ce roi de la magouille à grande échelle réalise que personne ne l’attend, lors d’une scène édifiante et un rien lourdingue : à la porte de la prison, la limousine qui s’arrête ne vient pas le chercher, lui, mais un noir au style clinquant. Les temps ont changé.

Les temps ont tellement changé que le requin d’hier paraît bien sympathique à côté des nouveaux rois de Wall Street. C’est cette confrontation qui intéresse Stone, dans cette Amérique des bulles financières qui s’apprêtent à exploser. Littéralement, d’ailleurs, les images de vraies bulles se multipliant ad nauseum. Pas finaud, pour le coup. Pas plus que la confrontation entre les loups d’hier et ceux d’aujourd’hui non plus, ou que ce réveil humaniste d’un jeune trader (joué par Shia Labeouf, toujours bien, jamais renversant).

Il manque clairement l’intensité dramatique du premier film, comme si Oliver Stone avait perdu la main, ou comme s’il tournait mécaniquement, oubliant la force cinématographique au profit de la seule force du propos. Raté, d’autant plus que c’est le parcours de Gekko qui, sur le papier, était le plus excitant : sa sortie de prison, sa redécouverte d’un monde qui n’est plus le sien, et sa renaissance. On n’en verra rien : la sortie de prison n’est qu’une introduction, que suit une ellipse de plusieurs années, le temps qu’il ait retrouvé de sa morgue et de sa superbe. Bon…

Trois jours et une vie – de Nicolas Boukhrief – 2019

Posté : 27 novembre, 2019 @ 8:00 dans * Polars/noirs France, 2010-2019, BOUKHRIEF Nicolas | Pas de commentaires »

Trois jours et une vie

Cinéaste décidément très porté sur la légèreté, Nicolas Boukhrief signe un film de commande pour une fois : l’adaptation (par lui-même) d’un roman de Pierre Lemaître, en vogue depuis Au-revoir là-haut, qui raconte l’histoire d’une culpabilité, celle d’un gamin qui grandit en gardant pour lui un terrible secret. Le fils du voisin, qui a un jour disparu sans laisser de traces, c’est lui qui l’a tué par accident…

Plombant ? Dans sa première partie, oui, le film l’est terriblement. Parce qu’il narre dans le détail les événements qui ont conduit au drame, et ce secret insupportable dans lequel le gamin s’enferme. Mais ça, ce n’est que la première partie. Après un incroyable rebondissement, quasi-divin, c’est autre chose qui commence. Moins plombant, mais tout aussi lourd. C’est alors du poids du secret qu’il est question.

C’est, d’une certaine manière, un film sur la culpabilité. Mais pas tout à fait, en même temps. Bien sûr, elle est présente cette culpabilité, implacable et radicale. Pourtant, imperceptiblement, Boukhrief et Lemaître glissent vers autre chose de plus lancinant, et de finalement moins noble : les effets que procure ce secret pas si bien gardé, cette hypocrisie qui s’organise et dont personne ne sort gagnant.

Nicolas Boukhrief a un savoir-faire indéniable, et le don pour créer des atmosphères pesantes. Il est ici en terrain conquis. Presque trop, même, dans la première partie, dérangeante mais attendue. Evidemment, c’est plombant, et c’est bouleversant, parce que la victime et le tueur sont deux gamins particulièrement mignons et attachants, qui ne méritent pas leur sort. Mais le drame annoncé l’est tellement (annoncé) que rien ne vient vraiment nous surprendre.

La surprise de cette tempête qui vient tout effacer n’en est que plus grande. Dérangeante, même, pour le coup, tant elle est mise en scène comme l’intervention de quelque chose de plus grand, un véritable miracle. On se dit d’abord que c’est du grand n’importe quoi, et puis cet épisode a le mérite d’éveiller un intérêt tout neuf, et d’ouvrir vers une seconde partie nettement moins attendue, plus complexe, plus riche, et plus passionnante.

De la pure tragédie, le film passe alors à l’étude plus trouble d’une communauté rongée par ce secret. Avec douleur, mais aussi avec cynisme, comme le confirme l’un des derniers plans, regard perdu sur une assiette. Ce n’est décidément plus de culpabilité qu’il s’agit, mais des rêves envolés, et de la prison dans laquelle enferme le secret.

C’est porté par d’excellents acteurs (Gamblin, Bonnaire, Torreton, et Pablo Pauly dans le rôle principal), et ça vous trotte dans la tête bien longtemps après la projection. Fort, et dérangeant.

Comme un avion – de Bruno Podalydès – 2015

Posté : 26 novembre, 2019 @ 8:00 dans 2010-2019, PODALYDES Bruno | Pas de commentaires »

Comme un avion

Doux amer, flirtant avec l’absurde, mais toujours poétique… C’est du pur Podalydès que ce Comme un avion. Et comme un signe qu’il se livre ici plus que jamais, c’est lui-même, Bruno, qui interprète le rôle de ce quinquagénaire qui cherche à échapper au rythme que lui impose la vie. Pas son habituel alter-ego, son frangin Denis (qui est de l’aventure, mais dans un rôle secondaire).

Podalydès a une manière qui n’appartient qu’à lui de filmer ses personnages et leurs actions comme des gags, mais toujours avec un art du contre-pied (cette tente Décathlon que le personnage lance en l’air et dont on jurerait qu’elle ne redescendrait pas… mais si ; le rire est bien là, plus besoin donc d’aller au bout du gag), et en nous amenant tranquillement et l’air de rien vers quelque chose de plus profond.

Les deux hurluberlus (mot trop peu souvent usité) joués par Michel Vuillermoz et Jean-Noël Brouté sont typiques de cette vision. On les voit peindre tout ce qui tombe sous leur main, sans but apparent, et on découvre finalement que les deux hommes fabriquent un bac, qui servira à traverser une rivière pour rejoindre l’autre rive… où il n’y a encore rien. Tout le film est résumé dans ce fil rouge drôle et poétique.

A 50 ans, le personnage de Podalydès a envie de traverser la rivière. Sa passion pour l’aéropostale est la source de méprise pour son entourage, qui croit judicieux de lui offrir un baptême de l’air. Ils n’ont rien compris: lui ne rêve pas de voler, il aspire comme les pionniers de l’aéropostale à ouvrir sa propre voie, à trouver son propre rythme qui ne serait pas imposé par la société dans laquelle il vit.
Bruno Podalydès n’en rajoute pas mais il montre avec ironie tout ce que cette époque a d’aliénant pour cet homme lunaire. Son ailleurs, il le trouve non pas dans les airs, mais au fil d’une rivière familière, sur un kayak, dans un « grand voyage » qui ne le mènera que quelques kilomètres en aval. Mais pourtant si loin.

Un homme qui part vivre la grande aventure armé du manuel des Castors Juniors… Comme la quête d’une pureté toute enfantine. Et c’est la vraie vie qui retrouve, loin de ces nouveaux rapports humains par écrans interposés, presque hors du monde, dans une buvette au bord de l’eau qui semble d’un autre temps tenue par Agnès Jaoui, comme un paradis perdu dont un surprenant et drôle Pierre Arditi serait une sorte de gardien féroce, qui le séparerait du vrai monde.

Comme un avion est un éloge à la rêverie. Un voyage physique et intérieur beau et poétique, léger et profond. Et il y a cette chanson de Bashung, sublime, qui ouvre le film vers un avenir de tous les possibles…

Once upon a time… in Hollywood (id.) – de Quentin Tarantino – 2019

Posté : 5 novembre, 2019 @ 8:00 dans 2010-2019, PACINO Al, TARANTINO Quentin | Pas de commentaires »

Once upon a time in Hollywood

C’est un Tarantino étonnamment modeste que l’on retrouve, au moins dans la première partie du film. Un Tarantino qui se la joue simple et direct, un peu dans la mouvance de Jackie Brown, qu’il cite explicitement à l’occasion d’un long travelling dans un aéroport. Simple et modeste : voilà plutôt une bonne nouvelle, pour un cinéaste qui a parfois tendance à en faire des tonnes, sans cadre et sans limite.

En limitant son récit à trois personnages centraux, autour desquels gravitent de nombreux seconds rôles qui ne leur piquent jamais la vedette, Tarantino trouve le ton juste : celui d’un triple portrait intime et émouvant, celui aussi d’une époque, celle de 1969, lorsque le Nouvel Hollywood prend son envol et enterre définitivement l’âge d’or (déjà bien lointain) et une certaine visions « virile » du cinéma américain.

Trois personnages, donc : Rick Dalton d’abord (Leonardo Di Caprio, formidable, dans un rôle d’une richesse infinie), vedette sur le déclin qui a connu son heure de gloire dans une série western à la télé, et qu’un producteur passionné (Al Pacino, qui débute chez Tarantino) veut convaincre de tenter l’aventure italienne.

Cliff Booth ensuite (Brad Pitt, également formidable), son cascadeur attitré, qui est bien plus que ça : un ami, un homme à tout faire, un chauffeur, un compagnon, celui qui l’épaule et lui remonte le morale lorsqu’il réalise que son avenir est derrière loi. Un type tellement fidèle qu’il en serait facilement transparent, si Brad Pitt ne lui donnait une telle profondeur.

Sharon Tate enfin (Margot Robbie, aussi douce et souriante qu’un paradis perdu), oui, LA Sharon Tate, la femme de Roman Polanski, celle qui allait, avec des amis, être la victime des tueurs de Charles Manson cette même année 1969. Cet événement tragique est évidemment central dans le film. Sauf qu’on est chez Tarantino, et que le gars a, depuis Inglorious Basterds, une tendance bien marquée à prendre des libertés avec l’Histoire.

Chez Tarantino, et c’est sans doute ça qui est le plus beau, tout est cinéma, pur cinéma. Qui, aujourd’hui, sait faire d’aussi beaux cadres, d’aussi beaux plans ? Dans Once upon a time…, on se surprend, à de nombreuses reprises, à s’émerveiller devant la composition de certains plans, ce qui est à la fois enthousiasmant et angoissant quant à l’état du cinéma actuel (fin de la parenthèse vieux con).

Tout est cinéma, donc, chez Tarantino, qui utilise les armes cinématographiques (littéralement) pour prolonger ce plaisir d’un bonheur disparu, sans doute lié aux joies enfantines (Tarantino avait 6 ans en 1969), comme s’il voulait grâce à son média retarder l’inévitable. Il y a ainsi dans le final une mélancolie assez bouleversante. D’habitude plutôt fortiche sur les premières minutes de ses films, Tarantino réussit sans doute là sa plus belle fin… non sans être passé par l’un de ses excès de violence (le seul du film d’ailleurs) qui sont aussi sa marque.

Pour en arriver là, beaucoup de bien : Brad Pitt et Leonardo DiCaprio surtout, sont exceptionnels dans des rôles magnifiques. Mais aussi beaucoup de longueurs. Et on en arrive à la grande limite du film : sa durée. Once upon a time… aurait gagné à être (radicalement) raccourci. Par moments, Tarantino donne surtout l’impression de s’être fait quelques cadeaux, signant des morceaux de séries western, ou de polars italiens, sans que cela apporte quelque chose.

Qu’importe. Il y a tellement de beaux moments de cinéma dans ce film, et la fin distille un bonheur tellement pur et joliment naïf, qu’on ne peut que se soumettre face à l’évidence : malgré ses excès, malgré ses maniérismes, malgré son arrogance aussi, Tarantino est un cinéaste majeur, et Once upon a time… in Hollywood est son film le plus enthousiasmant depuis bien longtemps.

Top of the Lake : China Girl (id.) – série créée par Jane Campion et Gerard Lee – 2017

Posté : 4 novembre, 2019 @ 8:00 dans 2010-2019, CAMPION Jane, KLEIMAN Ariel, LEE Gerard, POLARS/NOIRS, TÉLÉVISION | Pas de commentaires »

Top of the Lake China Girl

Pour la deuxième saison de sa superbe série, Jane Campion choisit de tout changer, ou presque. Nouveau décor : à la nature de Nouvelle-Zélange succède la ville d’Australie. Nouveaux personnages : à l’exception de Robin Griffin, la magnifique héroïne interprétée par Elisabeth Moss, uniquement des nouveaux venus, à une apparition près. Nouvelle enquête, là aussi radicalement différent.

Que reste-t-il alors de l’atmosphère fascinante de la série, alors ? Eh bien tout, curieusement. Même avec des parti-pris très différents, même en faisant à peu près table rase de ce qu’on avait appris à adoré, Top of the Lake garde ce mystère et cet envoûtement qui font sa beauté. Cette saison 2 n’est pas le prolongement de la première, mais elle en a la même ambition, la même intensité, et la même réussite.

La même radicalité, aussi. Plus encore que la première saison, China Girl aborde le thème de la paternité, et de la place de la femme dans la société, et dans la famille. Mais elle le fait avec une audace folle, et une approche totalement décomplexée. Car l’enquête, a priori classique, sur la disparition d’une jeune prostituée, se transforme très rapidement en une quête intime pour Robin, qui se résume bientôt à un cercle pseudo-familial aussi improbable que bouleversant.

Le mouvement qui habite cette deuxième saison se résume assez bien lors d’une longue séquence d’une intensité folle, dans l’avant-dernier épisode, où tous les rapports entre les membres de ce cercle familial semblent mis à mal, les uns après les autres, dans un enchaînement infernal, chacun se retrouvant totalement seul : Robin, sa fille naturelle avec qui elle a enfin pu tisser des liens, les parents adoptifs de cette dernière, et même le maquereau manipulateur dont la jeune fille s’est éprise.

Dans cette deuxième saison, Jane Campion souffle le chaud et le froid, la douleur extrême n’étant jamais dénuée d’une lueur d’espoir, si faible soit-elle. A l’inverse, le personnage plutôt amusant de la fliquette à la taille démesurée révèle peu à peu une profondeur et une noirceur extrêmes. D’une manière générale, les personnages sont d’ailleurs tous passionnants, et totalement inattendus.

Cette alternance de moments très sombres avec quelques sursauts plus léger, cette manière de passer de longs passages lents et introspectifs à d’autres plus angoissants, voire carrément flippants… Tout ça renforce l’intensité de cette série décidément magnifique. La prestation d’Elisabeth Moss, impeccable dans tous les registres, n’y est pas pour rien.

Un jour de pluie à New York (A rainy day in New York) – de Woody Allen – 2018/2019

Posté : 19 octobre, 2019 @ 8:00 dans 2010-2019, ALLEN Woody | Pas de commentaires »

Un jour de pluie à New York

Il y a plusieurs choses dans ce Woody Allen cuvée 2018-2019. D’abord, comme souvent (voire toujours) cette capacité à se renouveler film après film, tout en déclinant à l’envi les mêmes thèmes. Et on est bel et bien en terrain connu dans cet opus new-yorkais mettant en scène un nouvel avatar du cinéaste lui-même, bourgeois cinéphile en décalage avec les attentes de sa « classe ».

Dans le rôle, le jeune Timothée Chalamet s’en tire bien, réussissant l’essentiel : garder son style, sa personnalité, pour un personnage qui est, comme tant d’autres depuis que Woody se fait rare devant la caméra, une version rajeunie du réalisateur. Et il n’y a pas que les dialogues, forcément drôles et brillants, pour le rappeler : une intonation, un mouvement de la main… quelques détails comme ça évoquent furieusement le maître, mais le regard las de Chalamet fait des merveilles, apportant un décalage étrangement mélancolique au film.

Tant qu’on est dans les interprétations, saluons tout de suite celle d’Elle Fanning, merveilleuse en gamine émerveillée, un rien nunuche et pas si naïve, carrément géniale lorsqu’elle perd soudain tous ses moyens face à une star très entreprenante (Diego Luna, très bien itou). Sa fraîcheur fait des merveilles face à d’aussi bons acteurs que Liev Schreiber (toujours formidable, dans le rôle d’un cinéaste en pleine crise de confiance) ou Jude Law (en scénariste en pleine crise conjugale).

Après le sombre et amer Wonder Wheel, Woody Allen signe un film étonnamment juvénile, grâce à ses deux interprètes principaux bien sûr, mais aussi par sa manière de mettre en scène la découverte de la « magie new-yorkaise », comme un hommage constant aux grands classiques américains, Elle et lui en tête.

Woody n’a rien perdu de sa maîtrise, de sa fluidité légendaire, ni de son sens unique du dialogue et de la situation. Mais ce film-là surprend par son optimisme, sa légèreté et son désir de rendre la vie aussi belle que le cinéma. Même si tout ça est teinté d’une conscience du temps qui passe, et d’une touchante tendresse pour les « accidentés de la vie ». Le face-à-face entre le jeune Gatsby et sa mère est ainsi l’une des plus belles que Woody nous ait offert ces dernières années.

Top of the Lake (id.) – série créée par Jane Campion et Gerard Lee – 2013

Posté : 15 octobre, 2019 @ 8:00 dans 2010-2019, CAMPION Jane, DAVIS Garth, LEE Gerard, POLARS/NOIRS, TÉLÉVISION | Pas de commentaires »

Top of the Lake

Envoûtant, visuellement splendide, lent et tendu, cette mini-série est une superbe réussite, qui porte clairement la marque de Jane Campion, sa créatrice, et la réalisatrice de la moitié des épisodes. On y retrouve tous les thèmes chers à la cinéaste : l’homme (et la femme) dans la nature, la place de la femme dans la société, le poids de la maternité (et de la paternité)…

Jane Campion l’a d’ailleurs elle-même, et cela se sent : elle a pensé Top of the Lake comme un long film de six heures, divisé en six chapitres, plutôt que comme une série de six épisodes. Et c’est vrai qu’elle trouve le compromis parfait entre les codes de la série télé, avec d’un côté sa cohérence et son long mouvement unique, et de l’autre ses rebondissements qui ne donnent qu’une envie : enchaîner les six épisodes.

Parce que la réalisatrice n’oublie jamais non plus que Top of the Lake est un thriller. Même si son récit prend bien des chemins de traverse, jamais elle ne perd de vue l’enjeu de cette intrigue : retrouver une adolescente qui a disparu dans cette nature aussi belle que dangereuse de Nouvelle Zélande.

Il y a quelque chose de Twin Peaks dans l’idée même de Top of the Lake. Même si cette dernière est nettement plus ancrée, la série commence par l’arrivée d’un enquêteur dans une micro-société, où le drame va révéler bien des secrets cachés. Et quel microcosme : une région comme coupée du monde où la notion même de famille dépasse tous les codes habituels, et où tout le monde semble avoir quelque chose à cacher.

Y compris l’enquêtrice d’ailleurs, Robin, magnifique rôle de femme brisée, qui aurait pu être simplement passionnant. Elisabeth Moss lui donne quelque chose en plus : un mélange de force et de fragilité à peu près unique, parce que ces deux pans de sa personnalité sont également puissants. Un personnage fascinant et bouleversant, dont la présence souvent peu bavarde apporte toujours quelque chose d’inattendu.

Le reste de la distribution est parfait aussi, de Holly Hunter en gourou au bout du rouleau, à Peter Mullan, en inquiétant patriarche. Deux personnages qui, eux aussi, déjouent constamment toutes les idées reçues et toutes les attentes, capables d’être touchants dans l’horreur, ou abjects dans la souffrance.

Tendu, fascinant, bouleversant, surprenant, Top of the Lake est une réussite majeure. Et ELisabeth Moss une découverte qui l’est tout autant…

Backtrace (id.) – de Brian A. Miller – 2018

Posté : 6 septembre, 2019 @ 8:00 dans * Thrillers US (1980-…), 2010-2019, ACTION US (1980-…), MILLER Brian A., STALLONE Sylvester | Pas de commentaires »

Backtrace

Il y a quand même des signes qui inquiètent les fans de ce bon vieux Stallone. Ce qui ressemble de plus en plus à une incapacité à se renouveler : depuis Expendables et un bref sursaut d’ambition au milieu des années 2010, il n’y a quand même plus guère que Rocky et Rambo qui lui permettent de garder son rang. Et ce n’est pas ce Backtrace qui va changer le constat…

On peut se poser la question comme on se la posait pour les deux récentes (et miteuses) suites d’Evasion (la première – argh – et la seconde – bof) : mais qu’est-il donc allé faire dans cette galère, Stallone ? Pourquoi s’est-il impliqué dans ce projet qui sent d’emblée l’accident artistique… Encore que « impliqué » paraît un grand mot, tant l’acteur semble s’ennuyer dans les quelques scènes qui lui sont offertes. Comment pourrait-il en être autrement, franchement, devant la caméra d’un réalisateur dont les seuls titres de gloire sont d’avoir dirigé Bruce Willis dans une série de direct-to-DVD à la triste renommée…

Il y a bien quelques jolies images de ciels dans les plans de coupe, mais à part ça, pas grand-chose à se mettre sous la dent dans ce thriller au scénario poussif qui évoque les téléfilms qu’on tournait à la chaîne jusque dans les années 90. Soit un homme amnésique, emprisonné depuis sept ans après une fusillade sanglante, que de mystérieux compagnons aident à retrouver la mémoire pour mettre la main sur le magot.

Le gars est interprété par Matthew Modine, qu’on avait perdu de vue depuis bien longtemps, et que ce rôle ne va pas aider à revenir au premier plan. Stallone, lui, est certes le sauveur, le héros, le superflic qui finit par dézinguer à lui seul l’armée de méchants, mais il se contente d’un rôle de second plan dans cette histoire, où il semble par moments être étrangement mal à l’aise, sans savoir quoi dire ni quoi faire de son corps.

Le film lorgne du côté de Heat (pour les scènes d’action) et Usual Suspects (pour un rebondissement-incroyable-que-personne-n’avait-vu-venir). Ce qui pose quelques problèmes.

D’abord, les scènes de fusillades font certes beaucoup de bruit, mais le style syncopé de Brian Miller est, surprise, loin de la virtuosité et de l’élégance de Michael Mann. Quant au fameux rebondissement « à la Usual Suspects », révélé par une séquence au montage honteusement pompé sur le film de Singer, eh bien il se révèle tout pourri, loin du twist renversant et total de keyser Söze, faisant même du film une sorte de chronique familiale pantouflarde certes inattendue.

Bref, on regrette quand même amèrement de ne pas avoir prévu un pack de bière. On s’ennuie gentiment. On attend avec encore plus d’impatience la fin du film que la sortie du cinquième Rambo. Et on se contente des quelques plans de coupe qui, oui, représentent de bien jolis ciels.

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