Le Tueur du Montana (Gunsmoske) – de Nathan Juran – 1953

Dans la longue liste des westerns avec Audie Murphy, celui-ci est une grande réussite. D’une grande simplicité, cette petite production sort du lot par une belle interprétation (Susans Cabot est bien jolie, et Murphy, qui ne joue pas les durs en serrant la mâchoire, a rarement été aussi convaincant), et d’excellents dialogues, percutants et souvent drôles.

Murphy, précédé de sa réputation de tueur (qui, de fait, n’a jamais tué), commande un whisky dans un saloon. Le bartender lui demande alors : « Pour le boire ou le jeter à quelqu’un ? »… L’ensemble des dialogues est à l’avenant : vifs, originaux et réjouissants.

Pour autant, le réalisateur Nathan Juran, petit artisan dont la carrière est d’avantage marquée par les décors qu’il a créés pour de nombreux films (dont Qu’elle était verte ma vallée) que par ses propres réalisations, particulièrement dans le fantastique (L’Attaque de la femme de 50 pieds, Le Septième voyage de Sinbad…), prend son film comme ce qu’il est : un petit western de genre, sans prétention et efficace.

Le résultat est assez brillant : une histoire classique de western (un tueur est engagé par celui qu’il était chargé de tuer, tombe amoureux de sa fille, doit convoyer un troupeau, et se retrouve confronté à son meilleur ami), tournée avec un grand sens de la concision (1h15, pas une minute de plus), et avec une réalisation qui tire le meilleur de ses beaux décors naturels.

La traversée à hauts risques de la montagne, qui constitue l’un des clous du film, se limite à l’écran à un chariot qui doit descendre une pente courte, mais raide. Ce pourrait être cheap et ridicule, mais le réalisateur réussit à imposer un souffle et une tension qui font mouche.

Avec ce western-là, sa deuxième réalisation, l’inégal et mal aimé Nathan Juran prouve qu’il peut avoir l’étoffe des grands artisans du genre.

• Le Tueur du Montana fait partie de la dernière fournée en dates des Westerns de Légende, la fameuse collection éditée par Sidonis. En bonus, comme toujours, une présentation du film par Patrick Brion, amoureux sincère du genre. On retrouve également un portrait d’Audie Murphy par le même Brion, déjà en bonus d’autres titres de la collection.

The Thing (id.) – de John Carpenter – 1982

Grand admirateur de Howard Hawks (son premier vrai film, Assaut, était un remake de Rio Bravo), John Carpenter est aussi un fan de La Chose d’un autre monde, le fameux film de SF de Hawks, que les personnages de Halloween regardaient à la télévision. Autant dire que ce remake était attendu.

Mais les deux films diffèrent énormément. Le titre original est identique (avec la même police), le cadre est le même (une base américaine au Pôle Nord), le début est le même (l’expédition découvre un extraterrestre dans la glace, qui finira par menacer les membres de la base)… Mais tout le reste est radicalement différent, malgré de beaux clins d’œil discrets et amoureux (la vidéo norvégienne).

Les premières images (une soucoupe volante très kitsch) renvoient aux films de SF des années 50. Mais les temps ont bien changé, et The Thing version Carpenter est un film qui porte la marque du cinéaste, avec sa manière unique de faire monter l’angoisse (à la manière de l’étouffant Prince des Ténèbres) et la paranoïa (comme L’Antre de la folie) avec de petits riens, une mise en scène toujours élégante, et une musique répétitive signée par un Ennio Morricone qui reprend le style des compos de Carpenter.

Dans le film de Hawks, la « chose » était un géant humanoïde quasi-indestructible. Dans celui de Carpenter, elle prend la forme de tout ce qu’elle approche, animaux et êtres humains. Autant dire que la légèreté et le bel esprit d’équipe du film originel volent ici en éclats. Tout n’est que suspicion, méfiance et paranoïa. On est finalement plus proche de L’Invasion des profanateurs de sépultures que du film de Hawks.

Formellement aussi, le film est radicalement différent. Le classique de 1951 était énormément bavard. Celui-ci est particulièrement économe en dialogue, avec une psychologie beaucoup plus réaliste et des rapports beaucoup plus tendus.

Avec The Thing, Carpenter réussit à rendre un bel hommage à un film dont il se démarque sur tous les points, et à signer l’un des grands chefs d’œuvre du cinéma de terreur de la décennie.

Les Schtroumpfs 2 (The Smurfs 2) – de Raja Gosnell – 2013

On prend strictement les mêmes ingrédients, et on recommence. Même réalisateur et mêmes acteurs (avec Brendan Gleeson transformé en canard en prime) pour cette deuxième aventure « live » des bonshommes bleus imaginés par Peyo, qui débarquent non plus à New York comme dans le premier film, mais à Paris, la ville lumière telle que vue par les Américains, donc pleine de lumières et de romantisme, avec la Tour Eiffel à tous les coins de rue et en toile de fond de toutes les chambres d’hôtel, avec des pavés humides et des jeunes femmes habillées comme Audrey Hepburn.

Mais comme on n’attendait pas du film une étude sociologique, on accepte les clichés de bon cœur. Surtout que le personnage de Gargamel est toujours aussi réjouissant. Hank Azaria lui apporte la folie d’un personnage de Tex Avery, qui aurait débarqué dans le monde réel. C’est la meilleure idée du film : faire de Gargamel, coincé dans le « vrai monde » à la fin du premier film, une véritable star internationale grâce à ses pouvoirs magiques, qui se produit sur la scène de l’Opéra Garnier.

Autre bonne idée, plus convenue quand même : revenir aux origines de la Schtroumpfette, création de Gargamel amenée dans le droit chemin grâce à l’amour. Un message classique du cinéma familial.

• Voir aussi Les Schtroumpfs.

Les Âmes vagabondes (The Host) – d’Andrew Niccol – 2013

Depuis son scénario pour Truman Show, et ses débuts de réalisateur avec Bienvenue à Gattaca, Andrew Niccoll est l’un des auteurs les plus passionnants d’Hollywood, l’un des rares réalisateurs de grosses productions à signer lui-même ses scénarios. Sa filmographie est brève, mais remarquable : Simone (belle critique d’Hollywood avec Pacino), Lord of War (son chef d’œuvre, avec Nicolas Cage)… Même Time Out, film imparfait et parfois bancal, avait des allures de réjouissante série B.

Alors même avec une adaptation d’un roman de Stephenie Meyer, la grande prêtresse des ados des années 2010 (Twiliiiiiiiiiiiight !!!!!!), on se dit que : pourquoi pas ? Eh bien au bout d’une dizaine de minutes, on a la réponse : parce que c’est absolument imbuvable, et que le film n’est qu’une immense soupe de bons sentiments, totalement indigeste. L’histoire est assez con, et la seule idée forte (deux esprits qui cohabitent dans un même corps) se révèle n’être absolument pas cinégénique.

Niccoll passe complètement à côté de son sujet, et ne réussit jamais vraiment à poser sa patte dans la pâte philosophico-romantico-puéril de Stephenie Meyer, si éloignée de son propre univers, généralement nettement plus adulte et complexe.

Il y a de bonnes choses, quand même : William Hurt en représentant de la vraie Amérique, un rythme qui ne retombe jamais, de beaux décors, et de beaux jeux de lumière entre l’obscurité dans laquelle vivent les derniers humains et le soleil qui inonde le « nouveau monde ». C’est peu.

• Dans les bonus du DVD édité par Metropolitan Films, Stephenie Meyer est omniprésente, au détriment d’Andrew Niccol qui se borne à une participation (au côté de l’écrivain) au commentaire audio du film. Une preuve de plus que l’auteur de Twilight est bien le maître à bord, et que le réalisateur de Gattaca s’est contenté d’illustrer son univers…

La Chose d’un autre monde (The Thing from another world) – de Christian Nyby et Howard Hawks – 1951

Les membres d’une base américaine au Pôle Nord découvrent une soucoupe volante sous la glace. Ils récupèrent un extra-terrestre coincé dans la glace. Scientifiques et militaires s’opposent sur la démarche à adopter…

Il y a dans The Thing, première version, absolument tous les clichés de la science fiction de l’époque : un discours naïf et outrancier, la menace nucléaire de la guerre froide en filigrane, des personnages beaux et caricaturaux avec une scientifique belle à tomber par terre dont le brushing supporte parfaitement les tempêtes de neige… Mais avec une différence de taille par rapport aux habituelles petites productions : la mise en scène, hyper inspirée et d’une fluidité qui confirme évidemment que Howard Hawks, crédité simplement comme producteur du film, est bien le seul maître à bord.

Monteur réputé, notamment pour Hawks (Le Port de l’angoisse, Le Grand sommeil ou encore La Rivière rouge), Christian Nyby fait ses débuts officiels de réalisateur ici. Mais cette Chose d’un autre monde est bien le seul film notable signé Nyby, dont l’essentiel de la carrière se fera à la télévision, notamment pour la série Twilight Zone. Surtout, on retrouve dans ce film le sens du rythme et le génie pour filmer les groupes, caractéristiques du réalisateur de Rio Bravo.

C’est donc l’unique incartade de Hawks dans le film d’épouvante. Et le résultat est aussi passionnant qu’étonnant. Le film est étonnamment bavard, à tel point qu’on se surprend, par moments, à y prêter à peine attention. Mais ces nombreux dialogues, parfois improbables, contribuent à donner un rythme imparable à ce film, parsemé de vrais et grands moments de terreur.

Huis-clos neigeux et angoissant, le film est aussi curieusement léger. Jusque dans les moments les plus terrifiants (et il y en a), le couple vedette du film flirte et folâtre. Ce mélange des genres, étrange, est assez fascinant.

• Voir aussi l’excellent remake de John Carpenter, The Thing.

• Les éditions Montparnasse ont sorti il y a quelques années un très beau DVD collector du film de Hawks et Nyby, visuellement somptueux, et contenant des bonus passionnants. John Carpenter y exprime notamment toute l’admiration qu’il a pour le film.

Intersections – de David Marconi – 2012

Ça commence plutôt bien : un couple américain en lune de miel au Maroc, un amant qui rode et complote avec la jeune épouse, une virée en voiture au cœur du désert, un accident aussi inattendu que spectaculaire et tragique, et une poignée de personnages mystérieux qui se retrouvent perdus loin de tout…

Le réalisateur David Marconi met en place son action avec une efficacité radicale. La première partie du film est aussi sèche que le climat marocain, et la tension monte en flèche jusqu’à l’apparition du personnage le plus mystérieux de tous : un étrange réparateur interprété par l’excellent Roshdy Zem.

La tension ne retombe pas vraiment, alors, mais le scénario a un peu trop tendance à multiplier les révélations et les rebondissements. On réalise bien vite que tous les personnages cachent des secrets bien peu avouables. Même en ayant l’esprit très ouvert, on se dit quand même que voir cette demi-douzaine de personnages internationaux dont les vies cachées se télescopent dans un lieu aussi éloignée de tout repose sur un postulat bien peu convaincant.

La psychologie, d’ailleurs, est pour le moins limitée. Pourtant, le plaisir est réel. Scénariste élevé à Hollywood (Ennemi d’Etat, Die Hard 4), David Marconi signe une mise en scène franchement efficace.

• Peu de bonus sur le DVD édité chez Europa, mais une interview très intéressante de David Marconi qui explique avec clarté et passion la genèse du film.

The Master (id.) – de Paul Thomas Anderson – 2012

Avec Magnolia, PT Anderson avait réussi l’un des plus grands trips cinématographiques de la décennie précédente, un extraordinaire voyage sensoriel qui s’inscrivait dans la lignée d’Apocalypse Now de Coppola, ou de Lost Highway de Lynch. Depuis, aussi passionnante sa filmographie soit-elle, le cinéaste n’a plus jamais tout à fait été aussi enthousiasmant.

The Master n’est pas, lui non plus, à la hauteur de son chef d’œuvre. Mais cette rencontre de deux individus hors du commun, dans l’Amérique de l’après-guerre, est un film qui bouscule, et qui impressionne par la maîtrise du cinéaste. Inspiré par le parcours de Ron Hubbard, le charismatique et controversé fondateur de la scientologie, The Master raconte la rencontre, déterminante, entre un « maître à penser » dont la « famille » ne cesse de grandir, et un vétéran du Pacifique totalement paumé, dont le cerveau a visiblement été bien abîmé par l’alcool qu’il distille lui-même.

Le film n’est pas un procès à charge de la Scientologie. Même si Anderson livre une vision de la secte qui fait souvent froid dans le dos, il ne juge rien ni personne, si ce n’est cette Amérique des années 50 pudibonde et hypocrite, dont le film ressuscite l’esthétique d’une manière éclatante, grâce à une photographie magnifique et l’utilisation (devenue rare) du 70 mm.

Philip Seymour Hoffman, dans le rôle du prédicateur, et Joaquin Phoenix, dans celui du paumé, sont exceptionnels. Ils sont les piliers du film, qui tourne entièrement autour de leur relation, de leur attirance-répulsion qui donne le ton, très changeant, de chaque scène. Chacune de ces scènes peut être considérée comme un petit chef d’œuvre, Anderson faisant preuve d’une maîtrise formelle hors du commun.

Brillant et passionnant, The Master reste toutefois trop froid, trop distant. L’émotion, trop souvent, ne fait qu’affleurer. Avec ce portrait croisé de deux hommes qui semblent se compléter, Anderson ne renouvelle pas ce qu’il avait si brillamment réussi avec Magnolia, un film chorale aux nombreux personnages : créer un véritable mouvement cinématographique.

• Le DVD de The Master a récemment été édité par Metropolitan Films.